Organisation pédagogique et catalogue des cours de l'option design à l'ÉSAD Valence
Premier cycle - option design, mention design graphique
Traducteur d’une commande, le designer graphique est le relais entre un commanditaire et un public. Par l’exigence plastique et graphique de ses réponses, il influe au quotidien sur la qualité de notre environnement visuel. Ce rôle a pris une nouvelle acuité dans le contexte de diffusion généralisée des médias numériques qui conditionnent les modalités de traitement et d’accès aux informations.
Le champ d’intervention du designer graphique concerne la communication visuelle liée aux échanges de biens et de services. Il couvre aussi bien les champs culturels et institutionnels que ceux de l’entreprise et de l’industrie. Les compétences précises du graphiste le conduisent à intervenir dans des domaines variés (l’identité visuelle, la signalétique, l’édition, la typographie, les interfaces graphiques, etc.), impliquant les médias imprimés et les écrans. Soumise à une exigence de fonctionnalité, la « mise en scène » du texte, des signes et des images, qui fait la spécificité du design graphique, ne saurait néanmoins s’y réduire : riche d’enjeux, théoriques et esthétiques, elle implique également, par la responsabilité des choix artistiques et culturels qui l’informent, une prise de position politique et critique sur le monde.
Le parcours d’étude de l’option Design, mention Design Graphique s’articule d’emblée autour de la mise en œuvre de projets dans lesquels les étudiant.e.s doivent manifester, expérimenter et développer des qualités d’imagination et d’écriture personnelle.
ANNÉE 1 - Année commune aux options (design et art)
Les deux semestres de l’année 1 offrent un programme d’étude chargé, au terme duquel l’étudiant aura acquis un ensemble de connaissances nécessaires pour poursuivre des études supérieures dans les options proposées par l’Établissement. Il est donc de sa responsabilité de s’impliquer sérieusement dans toutes les unités de cours et de participer activement aux conférences, aux visites d’expositions et aux voyages. Toutes les unités de cours sont obligatoires.
Les disciplines abordées au cours des deux semestres couvrent tous les champs des pratiques artistiques. À cette formation pratique et technique vient s’ajouter un enseignement théorique qui couvre l’histoire et la philosophie de l’art. L’étudiant sera ainsi confronté aux principales pratiques artistiques et de design graphique, aux principales théories de ces deux champs, ce qui lui en assurera une perception intelligible, une compréhension certaine de ses enjeux esthétiques et philosophiques, et l’aidera à développer une plus grande autonomie créatrice et intellectuelle.
Liste des unités d'enseignements
Semestre 1 et 2
UE1 : Initiation aux techniques et aux pratiques artistiques – 18 ECTS / 16 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 10 ECTS / 10 ECTS
UE3 : Bilan du travail plastique et théorique – 2 ECTS / 4 ECTS
Grille d'évaluations année 1 - semestre 1
UE1 Initiation aux techniques et aux pratiques artistiques
Outils numériques : je ne vois pas je regarde (P. Estienne)
Méthode d’enseignement :
Les formations se fond par la pratique en atelier.
Contenu et objectifs du cours :
Formation des bases des pratiques informatiques sur l’image, la vidéo et le son pour que les étudiant aient une certaine autonomie dans leurs productions.
Anatomie d’un ordinateur : comprendre le fonctionnement d’un ordinateur
Présentation du fonctionnement du OS du machine Apple : C’est une mise à niveau pour ceux qui ont une pratique sur le OS Window.
Formation sur les différents formats image et leur utilisation en fonction des médias (RAW,JPEG,TIFF,PNG,GIF,EPS)
Prise de vue photo au format RAW et initiation à l’étalonnage photo
Initiation des bases du logiciel Photoshop CC et de GIMP
Initiation à l’écriture filmique
Initiation à la manipulation caméra (petite et les semi pro)
Initiation à la prise de vue
Formation sur le logiciel de montage Final Cut Pro X
Formation sur le logiciel de montage gratuit DaVincy Resolve
Formation sur Illustrator
Modalités et critères de l’évaluation :
Les évaluations se font en continue où chaque étape est pointée pour évaluer la maitrise de l’étudiant en sa présence pour qu’il puisse renforcer ses points faibles. La participation, l’assiduité et l’investissement de l’étudiant fait aussi parti de l’évaluation.
Dessin et Dessin Manuel (T. Henni / S. Reyes)
DESSIN avec S. REYES
Méthode d’enseignement :
En référence aux histoires de l’art et à l’académie, on travaille au graphite sur un papier simple devant un chevalet. Le cursus est divisé en trois parties : 1. Dessin de compréhension : à partir du point, la ligne et le plan on essaie de visualiser pour dessiner. 2. Dessin d’observation : dans la tradition de la nature morte dessiner des objets et des moulages en plâtre. 3. Dessin de modèle vivant nu.
Objectifs pédagogiques :
Apprendre à observer. Apprendre à dessiner.
Contenu du cours :
Le dessin est le mode de représentation premier dans les beaux-arts, pour cela on l’appelle l’un des fondamentaux. A travers la pratique du dessin on peut apprendre et comprendre les notions de ligne, figure, espace, équilibre, contraste, lumière, couleur, geste, mouvement, rythme, corps, support et outil. Les intentions et formes du dessin ne cessent de se redéfinir à travers l’histoire. A l’atelier, la pratique d’observer pour dessiner engage une analyse autour de la représentation, de la transcription et de la traduction qui sont des ébauches de travail pour permettre à chaque étudiant·e de découvrir son propre usage future, comme outil de recherche et/ou comme moyen formel d’expression.
DESSIN MANUEL avec T. Henni
Méthode d’enseignement :
Séances d’expériences pratiques en diverses occasions et lieux, recherches et suivi individuel en atelier.
Objectifs du cours :
Expérimenter l’apprentissage et la compréhension de gestes techniques par l’action de la main et du corps. Comprendre la valeur de l’expérience comme savoir « de première main ».
Repérer les enjeux didactiques posés par la création d’images d’illustrations
Envisager la dimension didactique d’un ensemble d’images/textes dans un petit dispositif éditorial.
Contenu du cours :
Il sera ici proposé de faire le lien entre l’apprentissage réel de gestes techniques variés (taille du bois, vannerie, fabrication de ficelle, montage d’un mur en pierre sèche, feu…) et leur restitution par l’image dessinée dans un but didacticiel. Ces différentes expériences manuelles seront alternativement et de façon complémentaire des apprentissages pour eux-mêmes, et des occasion d’observer et de dessiner des gestes, des postures… Enfin ce travail interrogera la dimension éditoriale d’un projet et les enjeux de transmission qui en découlent.
Modalités et critères de l’évaluation :
L’étudiant·e doit assister à tous les cours, et alterner dans les rôles de manipulateur/modèle et de dessinateur/observateur. Un petit dispositif éditorial sera évalué en fin de semestre selon la pertinence des images réalisées, les choix graphiques opérés et l’intelligibilité de l’ensemble.
Repères bibliographiques / références :
Thomas Golsenne, « Bricologie. La souris et le perroquet », Techniques & Culture, 64 | 2015, 128-151.
Éloge du carburateur : essai sur le sens et la valeur du travail
Crawford, Matthew B. (1965-….), 2016, Paris : La Découverte
Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture
Ingold, Tim (1948-….), 2017, Bellevaux : Éditions Dehors
Le maître ignorant : cinq leçons sur l’émancipation intellectuelle
Rancière, Jacques (1940-….), 1987, Paris : Fayard
La pensée sauvage / Claude Lévi-Strauss
Lévi-Strauss, Claude (1908-2009). 1996, Paris : Pocket,
Otto et Marie Neurath, B42
Henri Focillon, Éloge de la main
Peinture : découverte (G. Gross)
Méthode d’enseignement :
Au premier semestre > Pratique et conceptualisation de la peinture en atelier, interface entre apprentissage, expérimentation et confrontation. La présentation des expérimentations qui en découlent, comme composante essentielle, se fera toujours lors de confrontations collectives.
Travail en atelier. Cours en amphithéâtre.
Au deuxième semestre > Travail en atelier. Confrontations collectives lors de fréquents accrochages.
Objectifs pédagogiques :
Au premier semestre > Mettre à jour un lexique pictural avec les outils fondamentaux de la peinture comme vocables. Développer, grâce à cette écriture rendue possible, des qualités d’expression.
Au deuxième semestre > Permettre l’émergence d’une autonomie critique et de la conscience d’un travail de peinture dans son contexte contemporain.
Contenu du cours :
Au premier semestre > Seront abordés les apprentissages techniques de l’histoire de la peinture. Rencontre des périodes majeures de l’histoire de la peinture.
Au deuxième semestre > Seront abordées les questions conceptuelles soulevées par les précédents apprentissages, dans des expérimentations ouvertes à des nombreux supports, matériaux et techniques, permettant de défendre des choix et des intentions clairs.
Modalités et critères de l’évaluation :
Au premier semestre > Progression dans l’apprentissage de techniques, et repères fondamentaux dans l’histoire de la peinture.
Au deuxième semestre > Aptitude à défendre un choix, une intention en regard de nombreuses expérimentations.
Desktop Movie (Y. Perlman)
Méthode d’enseignement :
Visionnage et analyse de filme, Travail en atelier
Contenu et objectifs du cours :
Explore les intersections entre cinéma et médias, le « desktop Cinéma » et plus particulièrement le « desktop documentaires », une forme émergente de réalisation présente le monde tel qu’il est vécu à travers des écrans d’ordinateur et des interfaces en réseau. Cet écran revêt alors une double dimension : il est à la fois l’objectif de la caméra et le champ de l’image.
Modalités et critères de l’évaluation :
Participation active aux séances de travail, analyses des formes filmiques mises en place par les étudiant.es.
En piste (C. Rossignol-Brunet / I. Bayle)
Objectif du cours et compétences mobilisées :
Conception et production d’un jeu de piste présenté au public dans le cadre des journées portes ouvertes 2026. Conception des objets graphiques ludiques directement impliqués par le jeu et d’objets périphériques complémentaires, affiches, édition collective. Projet permettant de traverser la découverte et appropriation des fondamentaux de la mise en page sur des supports variés ; gestion d’un espace de travail, média + Grille (livre affiche dépliant site web), composition en rapport avec un format, rapport texte image, hiérarchie, utilisation de polices de caractères création de signes (picto), gestion de la couleur, maîtrise de l’export, impression et façonnage.
Contenu du cours :
Création d’objets graphiques / d’un jeu de piste, de l’éditorialisation à la mise en page, l’impression, le façonnage en passant par la documentation. Les étudiant·es de premières années sont invité·es à une initiation aux différents rôles du designer graphique tout au long du premier semestre.
Méthode d’enseignement et lien avec invité·e/intervenant·e :
Cours magistraux, arpentages et restitutions collectives sous forme de petits exposés, cours techniques sur logiciels, tutoriels, séances de correction et de présentation de projets, classe entière et ateliers.
Modalités et critères de l’évaluation :
Découverte et appropriation des fondamentaux de la mise en page sur des supports variés ; gestion d’un espace de travail, média + Grille (livre affiche dépliant site web), composition en rapport avec un format, rapport texte image, hiérarchie, utilisation de polices de caractères.
Création de signes (picto), gestion de la couleur, maîtrise de l’export, impression et façonnage.
Maîtrise de logiciels de dessin vectoriel et de mise en page.
Présence, implication, prise en compte des retours des enseignant·es sur les projets.
Références :
Sitographie
http://problemata.org/fr/
https://www.centrenationaldugraphisme.fr/
https://t-y-p-o-g-r-a-p-h-y.org/
https://anothergraphic.org/
Ouvrages
Robin Kinross, La typographie moderne. Un essai d’histoire critique, Éditions B42, 2012
Pendant la lecture, Gerard Unger, Éditions B42, 2015
https://www.space-invaders.com/flashinvaders/
Mode d'emploi - initiation à la sérigraphie et à ses diverses approches (F. Veydarier)
Méthode d’enseignement :
Apprentissage progressif : Démonstrations techniques suivies de mises en pratique en atelier.
-Travail en petits groupes : Pour favoriser l’expérimentation.
-Carnet de bord : Les étudiant-e-s documentent leur processus, les essais/erreurs et leurs réflexions critiques.
-Aller-retours entre technique et intention artistique : Réflexion autour de la reproduction, du geste et du support.
Objectifs pédagogiques :
Acquisition des bases de la sérigraphie : -Initier les étudiant-e-s aux principes fondamentaux de la sérigraphie comme moyen d’expression artistique. -Développer une autonomie technique et créative autour de ce procédé d’impression. (Maitrise des outils et du matériel de l’atelier) -Sensibiliser à la notion de reproductibilité, de composition en couches et à la matérialité de l’image imprimée.
Contenu du cours :
-Histoire et contexte : Bref panorama historique de la sérigraphie (de l’imprimerie industrielle aux usages artistiques contemporains)
-Matériaux et outils : cadres de sérigraphie, émulsion photosensible, racles, encres, supports variés. -Technique de base : pochoir direct, transfert photographique, encrage, calage.
-Explorations : supports inhabituels, superpositions de couleurs, sérigraphie expérimentale, impression sur t-shirt.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité, investissement, compréhension et maitrise techniques, capacité à expérimenter
Repères bibliographiques / références :
Références artistiques : Andy Warhol, Sister Corita Kent, micro éditions indépendantes…
Mode d'emploi - estampe, gravure (R. Gall-Vermeil)
Méthode d’enseignement :
C’est par la pratique en atelier que sont enseignées les différentes techniques de la gravure. Ces procédés sont des bases nécessaires à acquérir et permettent l’approche progressive d’un travail personnel autonome. L’atelier est aussi un lieu collectif propice au partage et à l’échange.
Objectifs pédagogiques :
Être Autonome dans l’atelier. Connaitre et respecter les principes de sécurité. Organisation, compréhension et acquisition des procédés et des méthodes de travail. Découvrir et comprendre les principaux procédés de la gravure, s’approprier les bases techniques pour pouvoir faire des expériences et inventer sa propre pratique.
Contenu du cours :
Techniques abordées : taille-douce (pointe-sèche, eau-forte) taille-d’épargne (bois, lino) monotype …
Modalités et critères de l’évaluation :
-Assiduité.
-Compréhension et assimilation des principes techniques.
-Implication et conduite du travail dans l’atelier.
Mode d'emploi - pratique et initiation à la photographie (M. Leleu)
Mode d'emploi - volume (L. Chalaye)
Méthode d’enseignement :
- Une feuille de papier puis une feuille « offset » (alu) + trace photo un geste simple, attention portée à la tension entre les différences d’échelle des plis et surfaces
- Ficelle et plâtre dans cage bricolée (puis supprimée) composer avec la gravité et un matériau souple et fluide /comprendre et respecter la réaction d’une gâchée de plâtre
- Prise d’empreintes dans terre et coulée de plâtre : découverte « négatif /positif » ou « creux/plein », entrevoir en « miroir » travail d’observation d’après modèle : structurer l’ensemble dans un matériau malléable et souple (terre) rythme du geste pour rythme de l’ensemble moulage d’un objet : soin et précision de la technique (alginate, plâtre, silicone)
- Purement technique : sécurité, réglage, préparation et calage des éléments, compréhension de la fusion du métal
- Sujet qui pourra être libre et/ou collectif. Problématique d’assemblage qui puisse tenir et supporter une structure ou un volume
Objectifs pédagogiques :
A partir des fondamentaux du bricolage, familiariser l’étudiant à l’emploi des outils et matériaux mis à disposition par l’atelier, en vue d’une certaine autonomie quant à leur emploi au fil de l’année.
Contenu du cours :
Thématiques dites « spatiales ou sculpturales » par une approche de l’espace physique
Développement dans l’étendue : plier, déplier l’espace (« comment faire tenir une feuille debout »)
Appréhender la gravité : structure inversée de construction des forces mécaniques (d’après la méthode empirique des cintres de Gaudi)
Forme organique et flux : initiation au modelage (terre) et moulage (plâtre)
Initiation à la soudure MMA (arc, électrodes)
Logique d’une structure autoportante : portique, mobilier…ou autre construction (à déterminer semestre 2)
Modalités et critères de l’évaluation :
- Compréhension de la consigne
- Réponse ou qualité du rendu (force de proposition…)
- Investissement personnel et/ou collectif (vie de l’atelier)
UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère
Histoire de l'art : art, politique et société (J. Renard)
Objectifs pédagogiques :
Découvrir l’histoire de l’art du XXe à aujourd’hui, de manière transnationale, au prisme des relations et des influences réciproques entre l’art et les problématiques politiques et sociales.
Méthode d’enseignement et contenu :
Loin d’être un champ isolé et préservé, l’art est constamment traversé et influencé par les questions politiques et sociales qui agitent le monde contemporain. Nous nous intéresserons aux formes d’engagement artistiques et à l’intrication de l’art et du politique à travers l’histoire de l’art du XXe et du XXIe siècles. Nous explorerons comment l’art se saisit de problématiques fondamentales comme celles des inégalités sociales, des oppressions, des conflits armés, des crises écologiques, économiques et sociales, ou encore de la résistance aux idéologies et aux régimes politiques autoritaires. En tant qu’espace de réflexion, de subversion, de résistance et d’opposition, nous verrons comment l’art peut constituer une forme d’action et de transformation.
Modalités et critères de l’évaluation :
Un examen écrit au S1 et une proposition artistique accompagnée d’une note d’intention au S2.
Like (T. Domenech)
Méthode d’enseignement :
Cours magistraux.
Objectifs pédagogiques :
La création artistique contient toujours une part de subversion ou de critique des normes de goût. On voit, dans le milieu de l’art, une constante critique du goût bourgeois, du goût « mainstream », ou encore du goût des institutions artistiques elles-mêmes. L’art contemporain est parfois à ce point critique des normes de goût dominants, qu’il est jugé hermétique et élitiste. Pourtant, cette position critique est essentielle pour notre époque contemporaine. Au sein de l’environnement numérique, en particulier des réseaux sociaux, l’expression publique du jugement de goût, « j’aime », est centrale et prend un sens multiple : il s’agit d’exprimer ses goûts, mais aussi de partager ses idées, de communiquer avec d’autres, de se construire un personnage social, de participer à diffuser des contenus pour augmenter leur visibilité. L’expression du goût est publique, c’est-à-dire qu’elle est un lieu d’interaction, et par là même d’action collective, dont la portée est autant esthétique que politique.
Contenu du cours :
Le cours analyse la critique du goût, essentielle dans le milieu de l’art contemporain, à partir d’une réflexion sur les nouveaux sens et statuts que revêt le « like » sur les réseaux sociaux.
Repères bibliographiques / références :
Bourdieu Pierre, La distinction : critique sociale du jugement, Paris, Éditions de Minuit, coll. « Le Sens commun », 1979.
Caillet Aline, Quelle critique artiste ? pour une fonction critique de l’art à l’âge contemporain, Paris, L’Harmattan, coll. « L’art en bref », 2008.
Cassin Barbara, Google-moi : la deuxième mission de l’Amérique, Paris, Albin Michel, coll. « Banc public », 2007.
Cardon Dominique, Culture Numérique, Les Presses de Sciences Po, Paris, 2019.
Citton Yves, Pour une écologie de l’attention, Seuil, Paris, 2014.
Hume David, Essais sur l’art et le goût, trad. Michel Malherbe, Paris, Vrin, 2010.
Kant Immanuel, Critique de la faculté de juger, trad. Alexis Philonenko, Paris, J. Vrin, 1990.
Nochlin Linda, Femmes, art et pouvoir : et autres essais, trad. Oristelle Bonis, Nimes, Chambon, 1993.
Pollock Griselda, Differencing the canon: feminist desire and the writing of art’s histories, London ; New York, Routledge, coll. « Re visions », 1999.
Ruffel Lionel, Brouhaha: les mondes du contemporain, Lagrasse, Verdier, 2016.
Woolf Virginia, Une chambre à soi, trad. Clara Malraux, Denoël., Paris, 2017.
In Real Life (I. Oulton)
Méthode d’enseignement :
Cours uniquement en anglais en demi-groupe et sous-groupes
Tous les documents et mails d’information sur le contenu et les cours sont rédigés en anglais.
Les cours reposent sur une méthode communicative et une approche actionnelle, favorisant l’interaction orale et l’usage de la langue dans des situations concrètes.
Les activités proposées visent à développer l’autonomie langagière des étudiants à travers des projets, des jeux de rôles, des présentations orales, et des échanges en petits groupes. L’objectif est d’encourager une prise de parole régulière en anglais, en lien avec les projets actuels des étudiants et leur éventuel futur domaine professionnel.
L’enseignement s’appuie sur des supports authentiques et visuels (vidéos, extraits d’interviews d’artistes, portfolio, documents d’exposition) emmené par les étudiant.e.s pour favoriser l’expression et la compréhension. Les étudiant.e.s sont amené.e.s à décrire leur travail artistique, présenter un·e artiste de référence, ou commenter une œuvre, afin de renforcer leur vocabulaire spécifique et leur aisance à l’oral. Une place importante est donnée aux productions personnelles et aux échanges sur la pratique artistique.
Les séances sont conçues selon une pédagogie différenciée, afin de s’adapter à la diversité des niveaux d’anglais. Des activités en binômes ou en petits groupes permettent un apprentissage collaboratif, où les étudiants s’entraident et progressent ensemble pour progresser vers une dynamique de groupe bienveillante et participative.
L’accent est mis sur la communication orale (compréhension et expression), professionnel Des activités de reformulation, de jeu de rôle, et de présentation orale sont régulièrement mises en place pour permettre aux étudiants de gagner en fluidité et en confiance à l’oral.
Objectifs pédagogiques et contenu :
- Approfondir leur compréhension des réalités professionnelles des artistes et des designers graphiques à l’échelle internationale.
- Consolider leur niveau d’anglais, quel que soit leur niveau d’entrée, afin d’entamer la deuxième année avec les outils linguistiques nécessaires pour parler de leur travail, interagir en contexte professionnel et aborder les grands courants de l’art et du design, contemporains.
- Acquérir un vocabulaire technique et spécialisé lié à leur domaine de pratique.
- Maîtriser les fondamentaux de la communication orale en anglais : poser des questions, y répondre, interagir dans des échanges variés.
- Participer à, ou animer, un entretien professionnel, une table ronde ou une conférence.
- Analyser, commenter et situer des œuvres, des expositions ou des événements artistiques, et relier ces éléments à leur propre démarche.
- Présenter leur travail personnel de façon structurée et pertinente.
- Comprendre et mettre en œuvre les principes d’organisation et de présentation d’une exposition.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité – Présence
Participation – Progrès à l’oral en fonction du niveau propre à l’étudiant·e en début d’année
Rendus en fin de semestre – Réalisation d’un vidéo tuto
Repères bibliographiques / références :
Podcasts
The Art Angle – Artnet News
Design Matters – Debbie Millman
99% Invisible – Roman Mars
The Great Women Artists – Katy Hessel
The Black Art Podcast – Darin B.
Newsletters
The Art Newspaper
Contemporary Art
Daily
Hyperallergic
Artsy
Dezeen
Artnet News
UE3 Bilan du travail plastique et théorique
Recherches - Carnet
Objectifs pédagogiques :
Présenter dans un carnet, l’état de ses réflexions, de ses recherches, de ses découvertes, les références repérées (lecture, rencontres…) et ses notes de travail.
Méthode d’enseignement et contenu :
Travail aussi bien en atelier, qu’au cours de visites ou de déplacements.
Tenir un carnet de bord, c’est faire des dessins ou des croquis de formes et d’idées, c’est prendre des notes de son parcours et de ses rencontres, et c’est mettre en relation expérimentations, travaux préparatoires et documentation. Ce carnet, dans lequel il est conseillé de recourir aux différentes ressources du dessin, s’inscrit dans la continuité de ce qu’un étudiant constituera tout au long de son parcours.
Travaux - Accrochages
Grille d'évaluations année 1 - semestre 2
UE1 Initiation aux techniques et aux pratiques artistiques
Outils numériques : je ne vois pas je regarde (P. Estienne)
Méthode d’enseignement :
Les formations se fond par la pratique en atelier.
Contenu et objectifs du cours :
Formation des bases des pratiques informatiques sur l’image, la vidéo et le son pour que les étudiant aient une certaine autonomie dans leurs productions.
Anatomie d’un ordinateur : comprendre le fonctionnement d’un ordinateur
Présentation du fonctionnement du OS du machine Apple : C’est une mise à niveau pour ceux qui ont une pratique sur le OS Window.
Formation sur les différents formats image et leur utilisation en fonction des médias (RAW,JPEG,TIFF,PNG,GIF,EPS)
Prise de vue photo au format RAW et initiation à l’étalonnage photo
Initiation des bases du logiciel Photoshop CC et de GIMP
Initiation à l’écriture filmique
Initiation à la manipulation caméra (petite et les semi pro)
Initiation à la prise de vue
Formation sur le logiciel de montage Final Cut Pro X
Formation sur le logiciel de montage gratuit DaVincy Resolve
Formation sur Illustrator
Modalités et critères de l’évaluation :
Les évaluations se font en continue où chaque étape est pointée pour évaluer la maitrise de l’étudiant en sa présence pour qu’il puisse renforcer ses points faibles. La participation, l’assiduité et l’investissement de l’étudiant fait aussi parti de l’évaluation.
Dessin et Dessin Manuel (T. Henni / S. Reyes)
DESSIN avec S. REYES
Méthode d’enseignement :
En référence aux histoires de l’art et à l’académie, on travaille au graphite sur un papier simple devant un chevalet. Le cursus est divisé en trois parties : 1. Dessin de compréhension : à partir du point, la ligne et le plan on essaie de visualiser pour dessiner. 2. Dessin d’observation : dans la tradition de la nature morte dessiner des objets et des moulages en plâtre. 3. Dessin de modèle vivant nu.
Objectifs pédagogiques :
Apprendre à observer. Apprendre à dessiner.
Contenu du cours :
Le dessin est le mode de représentation premier dans les beaux-arts, pour cela on l’appelle l’un des fondamentaux. A travers la pratique du dessin on peut apprendre et comprendre les notions de ligne, figure, espace, équilibre, contraste, lumière, couleur, geste, mouvement, rythme, corps, support et outil. Les intentions et formes du dessin ne cessent de se redéfinir à travers l’histoire. A l’atelier, la pratique d’observer pour dessiner engage une analyse autour de la représentation, de la transcription et de la traduction qui sont des ébauches de travail pour permettre à chaque étudiant·e de découvrir son propre usage future, comme outil de recherche et/ou comme moyen formel d’expression.
DESSIN MANUEL avec T. Henni
Méthode d’enseignement :
Séances d’expériences pratiques en diverses occasions et lieux, recherches et suivi individuel en atelier.
Objectifs du cours :
Expérimenter l’apprentissage et la compréhension de gestes techniques par l’action de la main et du corps. Comprendre la valeur de l’expérience comme savoir « de première main ».
Repérer les enjeux didactiques posés par la création d’images d’illustrations
Envisager la dimension didactique d’un ensemble d’images/textes dans un petit dispositif éditorial.
Contenu du cours :
Il sera ici proposé de faire le lien entre l’apprentissage réel de gestes techniques variés (taille du bois, vannerie, fabrication de ficelle, montage d’un mur en pierre sèche, feu…) et leur restitution par l’image dessinée dans un but didacticiel. Ces différentes expériences manuelles seront alternativement et de façon complémentaire des apprentissages pour eux-mêmes, et des occasion d’observer et de dessiner des gestes, des postures… Enfin ce travail interrogera la dimension éditoriale d’un projet et les enjeux de transmission qui en découlent.
Modalités et critères de l’évaluation :
L’étudiant·e doit assister à tous les cours, et alterner dans les rôles de manipulateur/modèle et de dessinateur/observateur. Un petit dispositif éditorial sera évalué en fin de semestre selon la pertinence des images réalisées, les choix graphiques opérés et l’intelligibilité de l’ensemble.
Repères bibliographiques / références :
Thomas Golsenne, « Bricologie. La souris et le perroquet », Techniques & Culture, 64 | 2015, 128-151.
Éloge du carburateur : essai sur le sens et la valeur du travail
Crawford, Matthew B. (1965-….), 2016, Paris : La Découverte
Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture
Ingold, Tim (1948-….), 2017, Bellevaux : Éditions Dehors
Le maître ignorant : cinq leçons sur l’émancipation intellectuelle
Rancière, Jacques (1940-….), 1987, Paris : Fayard
La pensée sauvage / Claude Lévi-Strauss
Lévi-Strauss, Claude (1908-2009). 1996, Paris : Pocket,
Otto et Marie Neurath, B42
Henri Focillon, Éloge de la main
Peinture : découverte (G. Gross)
Méthode d’enseignement :
Au premier semestre > Pratique et conceptualisation de la peinture en atelier, interface entre apprentissage, expérimentation et confrontation. La présentation des expérimentations qui en découlent, comme composante essentielle, se fera toujours lors de confrontations collectives.
Travail en atelier. Cours en amphithéâtre.
Au deuxième semestre > Travail en atelier. Confrontations collectives lors de fréquents accrochages.
Objectifs pédagogiques :
Au premier semestre > Mettre à jour un lexique pictural avec les outils fondamentaux de la peinture comme vocables. Développer, grâce à cette écriture rendue possible, des qualités d’expression.
Au deuxième semestre > Permettre l’émergence d’une autonomie critique et de la conscience d’un travail de peinture dans son contexte contemporain.
Contenu du cours :
Au premier semestre > Seront abordés les apprentissages techniques de l’histoire de la peinture. Rencontre des périodes majeures de l’histoire de la peinture.
Au deuxième semestre > Seront abordées les questions conceptuelles soulevées par les précédents apprentissages, dans des expérimentations ouvertes à des nombreux supports, matériaux et techniques, permettant de défendre des choix et des intentions clairs.
Modalités et critères de l’évaluation :
Au premier semestre > Progression dans l’apprentissage de techniques, et repères fondamentaux dans l’histoire de la peinture.
Au deuxième semestre > Aptitude à défendre un choix, une intention en regard de nombreuses expérimentations.
Culture du code (A. Chazard)
Méthode d’enseignement :
Visionnage et analyse de filme, Travail en atelier
Contenu et objectifs du cours :
Explore les intersections entre cinéma et médias, le « desktop Cinéma » et plus particulièrement le « desktop documentaires », une forme émergente de réalisation présente le monde tel qu’il est vécu à travers des écrans d’ordinateur et des interfaces en réseau. Cet écran revêt alors une double dimension : il est à la fois l’objectif de la caméra et le champ de l’image.
Modalités et critères de l’évaluation :
Participation active aux séances de travail, analyses des formes filmiques mises en place par les étudiant.es.
Made In By For (F. David)
Méthode d’enseignement :
Travail en atelier.
Objectifs pédagogiques :
À travers les moyens nécessaires (techniques, conceptuels, etc.) à la réalisation de projets, clarifier ou mettre en forme des méthodes de travail structurantes pour l’étudiant·e.
Contenu du cours :
L’apprentissage de changements de points de vue, de la prise de distance ou encore l’éveil de la curiosité en seront les outils fondamentaux. Énonciation des sujets appuyée, à titre d’exemple et en vue d’en clarifier les objectifs, par des références (prenant des formes diverses : projection vidéo, diapositives, livres, etc.).
Sont donnés des sujets collectifs. Ils font l’objet de suivis individuels jusqu’au moment du rendu qui est débattu collectivement.
Modalités et critères de l’évaluation :
Capacité à répondre aux exercices demandés en mettant en avant de manière synthétique, à la fois un imaginaire et l’observation du monde qui nous entoure.
Le roi est mort, vive le roi (N. Ferrer-Gleize et I. Bayle)
Objectifs du cours & compétences mobilisées :
Initiation à la culture et à la sémiotique visuelles Développement d’un regard critique, fondamentaux de l’histoire de la photographie et plus particulièrement de la photographie de presse, initiation à un processus de projet de design nécessitant de mobiliser des compétences multiples, développement d’une démarche singulière (écriture de scénario, travail de l’image en mouvement, choix des composantes textuelles graphiques employées)
Contenu du cours :
Les étudiant·es sont invitité·es à produire une analyse textuelle et visuelle d’une sélection de Unes nécrologiques de journaux nationaux (de la 2e moitié du XX e à aujourd’hui). Cette analyse est ensuite transposée sous la forme d’un script, puis d’un scénario dans le but de créer une animation stop-motion. En addition de cette production par groupes, une séance de visionnage ouverte est prévue pour laquelle les supports d’invitation et monstration sont produits par es étudiant·es.
Méthode d’enseignement & lien avec invité.e/intervenant.e :
Cours théoriques et historiques collectifs, ateliers pratiques et rendez-vous de suivi Entretien avec un professionnel
Modalités et critères de l’évaluation (en lien avec les objectifs et compétences mobilisées) :
Assiduité, engagement dans le travail, participation active au cours des séances, déploiement du projet, qualité du travail de groupe
Repères bibliographiques / références :
Barthes, Roland, « Le message photographique », in Communications, 1, 1961,
pp. 127-138.
Fabre, Maxime, Photographie de presse. Régime de croyance, Paris,
L’Harmattan, 2020.
Optical Poems, Oskar Fischinger, 1938
https://harvardfilmarchive.org/programs/
optical-poetry
L’île aux fleurs, Jorge Furtado, 1984
Tout est vrai ou presque,
Nicolas Rendu, Vincent Brunner 2018
https://www.arte.tv/fr/videos/RC-022688/tout-est-vrai-ou-presque/
À propos de ce qu’il se passe,
Juliette Nier 2020
Petrowskaja, Katja, La photo me regardait, traduit de l’allemand par Jean Torrent,
Paris, Macula, 2025.
Comment j’ai fait les storyboards de Samuel,
Emilie Tronche, vidéo postée sur Instagram, 2024
Objet multiple / objet dédié (F. Beslot)
Méthode d’enseignement :
Les ateliers d’impression et de volume favorisent l’apprentissage et l’inventivité pour mener vers l’acquisition des bases nécessaires à l’approche progressive d’un travail éditorial personnel par le questionnement et l’expérimentation. Cours de pratiques.
Objectifs pédagogiques :
Acquisition d’une méthodologie de travail des pratiques éditoriales autour de la question du multiple. Identifier et sélectionner avec esprit critique diverses ressources dans d’histoire de l’art et art contemporain pour documenter le sujet et le développement. Mettre en œuvre des outils analogiques et numériques de conception et de production. Développer une argumentation formelle et critique. Réalisation d’un multiple en micro-édition, entre 2 et 10 exemplaires.
Contenu du cours :
Objets multiples – A partir de l’entretien de Joseph Beuys et de Dominique Tonneau – pourquoi faites-vous des multiples ? Au édt : Gourcuff Gradenigo 2007. Les étudiant.e.s doivent élaborer un projet éditorial, qui leur permettra d’acquérir une méthodologie de travail. Iels esquisseront un projet qui pourra être multiformes autour d’objets multiples. Iels devront échafauder, concevoir et étudier la faisabilité de leurs projets et le sens à travers des expérimentations afin de proposer des maquettes pour valider la production (BAT) de ces objets multiples. Pour cela les étudiant·es pourront s’appuyer sur les ateliers, d’impression, de volume, le studio audiovisuel qui sont riches, variés en équipements et propices à favoriser l’inventivité, le questionnement, l’acquisition des bases nécessaires à l’approche progressive d’un travail personnel. Renforcer l’apprentissage éditorial, à travers ce sujet, objets multiples, qui leur est singulier et voir expérimental. A la fin du semestre, chaque étudiant·e est en mesure de présenter un multiple selon ses choix et d’en comprendre les enjeux, entre la production et la diffusion.
Modalités et critères de l’évaluation :
Sur la dynamique et les découvertes effectuées lors du premier semestre. Les étudiants réaliseront des propositions au regard des travaux de recherche menés lors du première semestre. Le suivi sera la préoccupation essentielle à travers l’engagement de nos échanges. La mise en forme et la mise en œuvre de leurs propositions seront questionnées jusqu’à la réalisation. Présence, participation et qualité de l’investissement. Qualités des réalisation plastique, épreuve pratique et évaluation continue.
Repères bibliographiques / références :
BEUYS : Pourquoi faites-vous des multiples? Au édt : Gourcuff Gradenigo 2007, Galerie Du Multiple…17, rue Saint – Gilles 75003 Paris, Galerie 8+4 , 13 rue d’Alexandrie , 75002 Paris, La bibliothèque des multiples – OCTOPUS – Coopérative des arts et de la culture – Paris, L’oeuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique – 1935 – Walter Benjamin
Initiation à la photographie (M. Leleu)
UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère
Histoire de l'art : art, politique et société (J. Renard)
Objectifs pédagogiques :
Découvrir l’histoire de l’art du XXe à aujourd’hui, de manière transnationale, au prisme des relations et des influences réciproques entre l’art et les problématiques politiques et sociales.
Méthode d’enseignement et contenu :
Loin d’être un champ isolé et préservé, l’art est constamment traversé et influencé par les questions politiques et sociales qui agitent le monde contemporain. Nous nous intéresserons aux formes d’engagement artistiques et à l’intrication de l’art et du politique à travers l’histoire de l’art du XXe et du XXIe siècles. Nous explorerons comment l’art se saisit de problématiques fondamentales comme celles des inégalités sociales, des oppressions, des conflits armés, des crises écologiques, économiques et sociales, ou encore de la résistance aux idéologies et aux régimes politiques autoritaires. En tant qu’espace de réflexion, de subversion, de résistance et d’opposition, nous verrons comment l’art peut constituer une forme d’action et de transformation.
Modalités et critères de l’évaluation :
Un examen écrit au S1 et une proposition artistique accompagnée d’une note d’intention au S2.
Culture des codes
Méthode d’enseignement :
Cours en atelier par classe entière : contextualisation historique et culturelle, apprentissage technique / Cours pratique, programmation en contexte d’atelier
Objectifs pédagogiques :
Interroger les limites des contenus habituellement présents sur Internet. Élaborer un contenu original susceptible d’y être publié. Apprendre HTML ainsi que des rudiments de CSS pour publier le contenu précédemment développé.
Contenu du cours :
Du web on se fait communément l’image qu’il est infini, que l’on peut tout y trouver. On l’imagine ouvert et multiple, ramifié à l’extrême, on s’y perd volontiers. Antibibliothèque, anti-rangement, il apparaît comme l’horizontalité suprême du savoir… En est-on bien sûr ? Et si de subtiles forces contraignaient en fait pensée et savoir à s’y présenter sous ce fard séduisant alors que contenus et idées ne se révèlent pas si accessibles qu’on voudrait le croire, voire se retrouvent filtrés, agencés, distribués… Nous sommes pourtant conscients d’avoir affaire à des systèmes qui organisent la visibilité des messages. Pourquoi oublions-nous si facilement cet aspect ? Quelles forces nous y conduisent ?
Modalités et critères de l’évaluation :
Implication et assiduité : 1° suivi des cours 2° mise en œuvre du sujet 3° production de pages web
•}_VOX__PHYZ_{• (M. Kenyon)
Méthode d’enseignement :
Cours en groupe entier. Tous les documents et emails d’information sur le contenu et les cours sont rédigés en anglais. Projet multi-lingues « vivantes », voix percussives – taking your voice for a walk. Ecritures multilingues, langues inventées : documents de formes et de nature variées : notations, partitions, instructions, éventuellement pièces audio/vidéo. Lectures en itinérance de textes créés à partir des écritures originales des étudiant.e.s et ‘found text’, mise en voix dans des lieux attendus et inattendus dans et hors les murs de l’école, devant un auditoire ou pour un enregistrement. Etude et écoute de divers documents écrits et audio-visuels. Présentations et mise en voix.
Objectifs :
Reconnaître et s’approprier sa voix, seul.e, en la situant et en la mêlant aussi à celles des autres et/ou aux sons alentour, pour permettre un ancrage en soi et une connexion vitale avec l’environnement direct. Prise de conscience et d’expérimentation de sa force de présence, gestes, respirations et postures avec les rythmes, mouvements et déplacements associés pour sentir les différents niveaux possibles dans un espace donné, intérieur ou extérieur. Création d’une performance pour la Nocturne Etudiante prévue le 2 avril 2026 au musée des Beaux Arts et d’Archaeologie de Valence. Titre provisoire : “CONTIGUÏTÉS”. Deuxième volet du travail commencé en 2024, suite à la performance “Tuilages” présentée par la 1ère année à la Nocturne étudiante du 20 février 2025. Ce projet permet aux étudiants dès leur première année à l’ESAD, de se confronter à des conditions concrètes de conception et de réalisation d’une pièce au sein d’un lieu culturel et avec une équipe artistique extérieure à l’école. Production d’une édition modeste (fanzine) regroupant les propositions, images et textes issus de la nocturne.
Modalités et critères de l’évaluation :
Contrôle continu, rendus à des dates précises au cours et en fin de semestre. Assiduité et prise d’initiative, indépendance dans les méthodes de recherche. Evaluation de la manière d’employer les sources à bon escient en lien avec le travail et plus largement le/les projets de l’étudiant·e. Progrès à l’oral et à l’écrit en fonction du niveau propre à l’étudiant·e en début de l’année
Références et bibliographie :
Albums Meredith Monk « Songs from the Hill/Tablet » 1979 « Dolmen Music » 1981 “Turtle Dreams” 1983 Livres « Conversations with Meredith Monk » par Bonnie Marranca PAJ Publications Performance Ideas Augusto Boal « Games for Actors and non-Actors » Jody Pou « I thought j’irai en bloom » “140 Artists’ Ideas for Planet Earth” 2021 Serpentine Galleries, London Penguin Books Lori Waxman « Keep Walking Intently The Ambulatory Art of the Surrealists, the Situationist International, and Fluxus » Sternberg Press 2017 Ursula K. Le Guin « The Carrier Bag Theory of Fiction » introduced by Donna Haraway 2019 by Ignota « Quantum Listening » PAULINE OLIVEROS introduction par IONE. Foreward by LAURIE ANDERSON Terra Ignota 2022 Artistes Jorge Parente >> Voice and Body – The Body Alphabet, The Way of The Voice, method de Zygmunt Molik, Laboratoire de Théâtre Jerzy Grotowski. Anna Holveck https://cargocollective.com/annaholveck >> “I will make it”, “A Voix Off”, “And if that mocking bird don’t sing”, “Variations pour souterrains”, “Concerto pour une halle d’entrée”, “Plus tu cries moins tu entends”, “En une expiration”…. Gaelle Bourges “(La Bande à) Laura” 2023 https://www.youtube.com/watch? v=FaOAmcpDH2c Vidéos – art sonore Fatima Miranda « Desasosiego » et « Palimsiesta » https://fatima-miranda.com/en/ works/artesonado/as-videos/ Pablo’s Eye et d’autres sources audiovisuelles « Tentative d’épuisement d’un lieu parisien » basé sur le livre du même nom de Georges Perec » 1974 Théâtre « Art » par Yasmina Reza 1994 Samuel Beckett “Qua
UE3 Bilan du travail plastique et théorique
Recherches - Carnet
Objectifs pédagogiques :
Présenter dans un carnet, l’état de ses réflexions, de ses recherches, de ses découvertes, les références repérées (lecture, rencontres…) et ses notes de travail.
Méthode d’enseignement et contenu :
Travail aussi bien en atelier, qu’au cours de visites ou de déplacements.
Tenir un carnet de bord, c’est faire des dessins ou des croquis de formes et d’idées, c’est prendre des notes de son parcours et de ses rencontres, et c’est mettre en relation expérimentations, travaux préparatoires et documentation. Ce carnet, dans lequel il est conseillé de recourir aux différentes ressources du dessin, s’inscrit dans la continuité de ce qu’un étudiant constituera tout au long de son parcours.
Travaux - Accrochages
ANNÉE 2 - Option Design, mention Design Graphique
Le premier cycle de l’option design, à proprement parler, se construit sur quatre semestres, à partir de la sensibilité esthétique et des bases théoriques et artistiques posées lors de la première année. Il couvre un large champ de spécialisation dans le domaine du design graphique et l’accompagnement à une pratique approfondie du design graphique fait valoir les spécificités de la mention. La pédagogie est structurée par l’alternance de cours théoriques, de séances collectives d’atelier, de workshops et de suivis individuels. L’ensemble des enseignements, quelle que soit la méthode (cours, atelier ou suivis) est obligatoire. Ces études sollicitent une présence de chaque étudiant·e cinq jours par semaine. Des bilans intermédiaires de l’état d’avancement des travaux ont lieu en décembre et en avril.
Une période de stage devra être effectuée au premier cycle. Les stages réalisés en deuxième année seront validés à la fin du semestre 6. 10 jours de stage obligatoire doivent être effectués pour la validation des crédits. Néanmoins, l’équipe pédagogique considère que les périodes plus longues de stage, dès la deuxième année, sont essentielles à la formation et à l’insertion professionnelle.
Au cours du semestre 3, les éléments fondamentaux de la pratique du design graphique seront abordés à partir des notions clés de signe, de texte et d’image. De l’image du texte à l’image-signe, des signes du texte aux textes suscités par l’image, le jeu multiple de ces interrelations est l’objet de cette première découverte du vocabulaire graphique. Ainsi les productions plastiques et graphiques de l’image (dessin, photographie, vidéo, etc.), du texte (typographie, mise en pages, etc.), du signe (pictogramme, etc.), sont mises en œuvre et étayées par des approches théoriques, critiques et historiques. La synthèse de ces agencements s’opère dans l’ensemble des champs culturels du design graphique, comme celui de l’édition imprimée, du numérique, de l’identité visuelle et de la communication, sous forme de maquettes d’intentions élaborées et finalisées. Les contraintes élémentaires des médias de diffusion, format et séquence, serviront de points de repères pour situer, construire et expérimenter ces premières recherches graphiques.
Le semestre 4 marque déjà un approfondissement de ces notions, et suppose davantage d’exigence et d’autonomie. La part de culture artistique et de recherche personnelle en dehors des seuls usages et médias de communication témoigne de l’ouverture du point de vue adopté en design.
Chaque semestre est structuré par un thème de travail. Ces thèmes fédèrent tous les enseignements : – Semestre 3 : le territoire – Semestre 4 : la collection
Ces thèmes sont abordés sous l’angle du projet. Ils intègrent la maîtrise des outils de représentation, l’acquisition d’une méthodologie de travail (recherches de documentation, analyse et classification des sources, réflexion critique, définition d’une problématique), l’expérimentation plastique et graphique des matériaux visuels et textuels et celle des médias (imprimés et écrans). Outre ces axes de recherche communs, chaque enseignant développe des questions plus spécifiques liées à son enseignement.
Liste des unités d'enseignements
Semestres 3 et 4
UE1 : Pratique plastique : Méthodologie de projet, techniques et mises en œuvre – 16 ECTS – 14 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 8 ECTS – 8 ECTS
UE3 : Recherches et expérimentations – 2 ECTS – 4 ECTS
UE4 : Bilan – 4 ECTS – 4 ECTS
Grille d'évaluations Design Graphique 2 - Semestre 3 :
UE1 Pratique plastique : méthodologie de projet, techniques et mises en œuvre
Territoire de la ville, évolution du projet
à venir
Territoire de la ville, choix et autonomie des médias
à venir
Charette (T. Henni)
Méthode d’enseignement :
Expériences en groupe, discussions, rendez-vous individuels.
Contenu et objectifs du cours :
Expérimenter différentes problématiques autour des messages visuels au travers du dessin.
Au travers d’expériences en groupe et de petits exercices, nous tenterons de mener une réflexion basée sur l’expérimentation, à propos de l’élaboration de signes et de messages dessinés, et de leur conditions d’émission et de réception. Cette expérimentation s’ancrera en même temps dans une exploration de l’atelier d’impression, afin de relier le dessin aux arts graphiques et à l’édition.
Modalités et critères de l’évaluation :
Appropriation par l’étudiant des expériences menées en groupe. Édition d’un certain nombre d’exercices à rendre pour le moment de l’évaluation.
Repères bibliographiques / références :
– McCLOUD, Scott, l’Art invisible, Paris, Delcourt, 2007
– FRUTIGER, Alan, L’Homme et ses signes, Reillanne, Perrousseaux, 2000
– FLETCHER, Alan, The Art of Looking Sideways, New York, London, Phaidon Press, 2001
– KLEE, Paul, Cours du Bauhaus, Strasbourg, Éditions des musées de Strasbourg, 2004
Type design (A. Vasquez)
Méthode d’enseignement :
Cours magistraux et en atelier
Contenu et objectifs du cours :
Introduction au type design, sous la forme d’ateliers et de cours et de rendez-vous individuels. L’intention est d’appréhender les codes et les conventions qui délimitent la transmission visuelle du langage et donc des formes typographiques qui en découlent; leurs aspects matériels et culturels; et de s’initier aux techniques et méthodes qui en définissent l’articulation et la restitution (dessin à la main et à l’écran, apprentissage des logiciels).
Modalités et critères de l’évaluation :
Contrôle continu.
Repères bibliographiques / références :
— Adrian Frutiger, À bâtons rompus, Atelier Perrousseaux, 2001
— Jost Hochuli, Le détail en typographie, B42, 2015
— Michael Twyman, ‘Typography without words’, Visible Language, volume 15, issue 1, 1981
— Gerard Unger, Theory of type design, nai010, 2018
A vol d'oiseau (I. Bayle)
Méthode d’enseignement :
En se basant sur des ressources historiques variées, sur l’exploration de différentes techniques d’animation dans l’ordre historique de leur apparition à travers une suite d’exercices (réalisation d’objets de pré-cinéma puis animation image par image puis animation vectorielle puis 3D).
Contenu et objectifs du cours :
Objectifs : Produire une série de courtes animations ayant pour sujet la modification géographique d’un territoire à travers le temps. Restituer les évolutions topographiques, géographiques d’un espace urbain. Exploration des apports du mouvement dans un registre de design graphique didactique.
Contenus : Propositions animées de l’évolution des territoires d’études valentinois sélectionnés par les étudiant·es dans le cadre de la thématique globale du premier semestre. Les ressources du site « remonterletemps » de l’IGN proposant de nombreuses cartes et photographies aériennes de la ville de Valence et de ses alentours représenteront une ressource de contenu à explorer pour le projet, ainsi les cadastres municipaux et toute autre ressource additive que vous pourrez Trouver. Des cours en classe entière présenteront des séquences à propos de l’histoire de l’animation, des focus à propos de techniques d’animation, des initiations à ces techniques via des tutoriels collectifs.
Modalités et critères de l’évaluation :
Rendu de projet, participation aux séquences collectives et aux créneaux de rendez-vous de suivi personnels proposés. Capacité d’analyse d’un objet visuel complexe (la carte), réflexion quand au niveau de synthèse de l’image pour sa compréhension, sa lecture (légendes etc.) son accessibilité. Développement des compétences en dessin. Gestion d’une gamme de couleurs, d’un registre de formes. Adaptation et modification de ces registres au fil des techniques explorées.
Repères bibliographiques / références :
- site web https://remonterletemps.ign.fr/
- Phenakistoscope, Joseph Plateau, 1932
- Aida Palestine, Till Roeskens, 2011
- Tout est vrai ou presque, Nicolas Rendu et Vincent Brunner 2013-2··
- Postcard film, Michaël Betancourt, https://vimeo.com/14794798, 1999
- Dispositifs didactiques animés du musée d’Hiroshima pour la paix
- Why we fight, Frank Capra 1942
Itinéraires (N. Ferrer-Gleize)
Méthode d’enseignement :
Cours théoriques et historiques collectifs, ateliers pratiques et rendez-vous individuels.
Objectifs du cours :
Ce cours a pour objectif d’amener les étudiant·es à affirmer un point de vue et une écriture singulier·es par le biais de la pratique photographique. Il s’agit de faire l’expérience de la construction d’un projet à partir de ses propres images. Par ailleurs, le travail les conduira à faire l’expérience du travail d’enquête et de terrain. Enfin, les étudiant·es seront sensibilisé·es à l’histoire de la photographie, à la lecture d’images et à l’analyse de textes sur le sujet. Contenu : Dans le cadre de la thématique « Territoire de la ville », chacun·e sera amené·e à élaborer un observatoire photographique du territoire qu’iel aura choisi, en portant un regard critique sur la tradition institutionnelle des observatoires du paysage qui se met en place à la fin des années 1980. Nous réfléchirons à la notion de paysage et à ses limites. Qu’y-a-t-il à observer dans et autour d’une ville ? Quels outils et données (cartographies, sons, textes, dessins, etc.) pourraient dialoguer avec la photographie ? Comment arpenter la ville, physiquement et numériquement, comment la lire à travers ses archives ? Ce travail sera l’occasion d’aborder la photographie par le biais du territoire, de l’enquête de terrain. Chaque étudiant·e sera amené·e à développer son point de vue, son enquête, à partir de nos premières investigations dans les archives de l’observatoire, et de nos explorations dans la ville.
Modalités et critères d’évaluation :
Chaque étudiant·e devra constituer une série photographique au sein de laquelle s’affirme un point de vue sur le territoire qu’iel aura choisi. Ce travail sera à mettre en lien avec les autres travaux développés autour de la thématique « Territoires ». Les critères d’évaluation seront l’assiduité, l’engagement dans le travail, la participation active au cours des séances, mais aussi le déploiement du travail photographique et de l’écriture singulière du projet.
Références indicatives
BAILLY, Jean-Christophe, Le dépaysement. Voyages en France, Paris, Seuil, 2011.
BERTHO, Raphaële, La mission photographique de la DATAR : un laboratoire du paysage contemporain, Paris, La Documentation française, 2013.
CAILLET, Aline, L’art de l’enquête. Savoirs pratiques et sciences sociales, Paris, Mimésis, 2019.
COLLIER, John Jr et Malcom, Visual Anthropology. Photography as a research method, University of New Mexico press, 1990.
CHEVRIER, Jean-François, Des territoires, Paris, L’Arachnéen, 2011.
DE MOURAT, Robin, SEURAT, Clémence et TARI, Thomas, Le champ des possibles. Une enquête collective à Sevran, Cognac, 369 éditions, 2023.
LEON QUIJANO, Camilo, La cité, une anthropologie photographique, Paris, Éditions de l’école des hautes études en sciences sociales, 2023.
MÉAUX, Danièle, Géo-photographies. Une approche renouvelée des territoires, Paris, Filigranes, 2015.
NOVA, Nicolas, Exercices d’observation, Paris, Premier parallèle, 2022.
ZASK, Joëlle, Se tenir quelque part sur la terre, Paris, Premier parallèle, 2023.
ZHONG MENGUAL, Estelle, Apprendre à voir. Le point de vue du vivant, Arles, Actes sud, 2021
Territoire programmé (C. Rossignol-Brunet)
Méthode d’enseignement :
Cours théorique
Atelier en classe entière
Rendez-vous individuel
Objectifs du cours :
S’interroger sur la manière dont l’information nous est donnée à voir, sur les concepts d’éditorialisation des données à l’ère du numérique. Comprendre que la perception des images et des informations est liée aux dispositifs permettant leur consultation et à leur contexte de production. Concevoir et trouver des formes permettant la mise en lien d’objets divers et appuyant un propos sur ces objets en prenant en compte les questions d’interactivité propre au web.
Contenu du cours :
À partir du territoire sélectionné par l’étudiant·e, iel sera invité·e à concevoir un site web permettant une nouvelle manière de parcourir ce territoire à l’aide d’écrits et/ou d’enregistrements multimédias réalisés sur place.
À travers cet objet, il s’agira d’appréhender comment se construit un espace éditorial numérique, quels moyens sont mis en œuvre pour le parcourir, et quelle relation il est possible de tisser entre cette structure et des médias de natures diverses.
Le projet sera accompagné de cours de programmation web (HTML / CSS / JS) permettant la réalisation du projet et le développement d’une réflexion sur la forme et l’interactivité à travers l’écran. Les cours seront aussi l’occasion d’aborder les questions d’éditorialisation et les enjeux de la programmation.
Modalités et critères de l’évaluation :
Présence et implication dans l’atelier et aux cours. Pertinence des recherches et du choix d’organisation des médias. Qualité des réalisations.
Repères bibliographiques / références
- L’infra-ordinaire, Georges Perec, Seuil, 1989
- BARTHES (Roland).– « L’activité structuraliste » (1963), Essais critiques, pp. 221-228 (Paris, Le Seuil, 1964, réédition 1971).
- L’image sociale, Le carnet de recherches d’André Gunthert, https://imagesociale.fr/
- Les autonautes de la cosmoroute, Carol Dunlop, Julio Cortazar, 1983
- L’édition à l’ère numérique, Benoît Épron, Marcello Vitali-Rosati, 2018
- L’image du texte pour une théorie de l’énonciation éditoriale, Emmanuël Souchier, Cahiers de médiologie, 1998, 6 (2), pp.137.
Workshops
UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère
Territoire de la ville, recherche documentaire
à venir
Perfect Pitch (M. Kenyon)
Méthode d’enseignement :
Recherche de textes dans le fonds anglophone de la bibliothèque de l’école, afin de travailler la méthodologie de recherches en anglais, sélection d’extraits de textes, traduction et lecture commune, explication des choix etc. Présentations et lectures à voix haute en amphi (HEAR/HERE). Le principe d’arpentage et de partage de ces ressources est fondamental – il permet de s’y appuyer pour accroître une aisance pour se présenter dans plusieurs situations en parlant de son travail, son background, ses aspirations en préparation pour BEAM en 3ème année.
Objectifs pédagogiques et contenu :
Travailler en groupe et individuellement sur un ensemble d’éléments qui nécessitent une attention particulière à chaque étudiant·e, à savoir: Mind Maps, Word Bank >> developer une lexique spécifique à chaque étudiant·e.
Le C.V. (écriture, mise en page, « elevator pitch ») Le bio pro, écrit et oral Les entretiens en tout genre L’approfondissement des situations de présentation vues en 1 ère année Prendre appui sur les nombreuses exemples existants des étudiant·es « alumni » et sur le net.
Modalités et critères de l’évaluation :
Contrôle continu, rendus périodique et en fin de semestre. Points qui seront évalués par les deux professeures: Assiduité Prise d’initiative et indépendance dans la méthode de recherche.
Manière d’employer les sources à bon escient en lien avec le travail et les projets de l’étudiant·e.
Progrès à l’oral et à l’écrit en fonction du niveau propre à l’étudiant·e en début de l’année Capacité à collaborer en groupe.
In Real Life (I. Oulton)
Méthode d’enseignement :
Cours uniquement en anglais en demi-groupe et sous-groupes
Tous les documents et mails d’information sur le contenu et les cours sont rédigés en anglais.
Les cours reposent sur une méthode communicative et une approche actionnelle, favorisant l’interaction orale et l’usage de la langue dans des situations concrètes.
Les activités proposées visent à développer l’autonomie langagière des étudiants à travers des projets, des jeux de rôles, des présentations orales, et des échanges en petits groupes. L’objectif est d’encourager une prise de parole régulière en anglais, en lien avec les projets actuels des étudiants et leur éventuel futur domaine professionnel.
L’enseignement s’appuie sur des supports authentiques et visuels (vidéos, extraits d’interviews d’artistes, portfolio, documents d’exposition) emmené par les étudiant.e.s pour favoriser l’expression et la compréhension. Les étudiant.e.s sont amené.e.s à décrire leur travail artistique, présenter un·e artiste de référence, ou commenter une œuvre, afin de renforcer leur vocabulaire spécifique et leur aisance à l’oral. Une place importante est donnée aux productions personnelles et aux échanges sur la pratique artistique.
Les séances sont conçues selon une pédagogie différenciée, afin de s’adapter à la diversité des niveaux d’anglais. Des activités en binômes ou en petits groupes permettent un apprentissage collaboratif, où les étudiants s’entraident et progressent ensemble pour progresser vers une dynamique de groupe bienveillante et participative.
L’accent est mis sur la communication orale (compréhension et expression), professionnel Des activités de reformulation, de jeu de rôle, et de présentation orale sont régulièrement mises en place pour permettre aux étudiants de gagner en fluidité et en confiance à l’oral.
Objectifs pédagogiques et contenu :
- Approfondir leur compréhension des réalités professionnelles des artistes et des designers graphiques à l’échelle internationale.
- Consolider leur niveau d’anglais, quel que soit leur niveau d’entrée, afin d’entamer la deuxième année avec les outils linguistiques nécessaires pour parler de leur travail, interagir en contexte professionnel et aborder les grands courants de l’art et du design, contemporains.
- Acquérir un vocabulaire technique et spécialisé lié à leur domaine de pratique.
- Maîtriser les fondamentaux de la communication orale en anglais : poser des questions, y répondre, interagir dans des échanges variés.
- Participer à, ou animer, un entretien professionnel, une table ronde ou une conférence.
- Analyser, commenter et situer des œuvres, des expositions ou des événements artistiques, et relier ces éléments à leur propre démarche.
- Présenter leur travail personnel de façon structurée et pertinente.
- Comprendre et mettre en œuvre les principes d’organisation et de présentation d’une exposition.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité – Présence
Participation – Progrès à l’oral en fonction du niveau propre à l’étudiant·e en début d’année
Rendus en fin de semestre – Réalisation d’un vidéo tuto
Repères bibliographiques / références :
Podcasts
The Art Angle – Artnet News
Design Matters – Debbie Millman
99% Invisible – Roman Mars
The Great Women Artists – Katy Hessel
The Black Art Podcast – Darin B.
Newsletters
The Art Newspaper
Contemporary Art
Daily
Hyperallergic
Artsy
Dezeen
Artnet News
Notes sur la ville
à venir
Introduction aux cartes (A. Chazard)
à venir
UE3 Recherches et expérimentations
Proposition plastique personnelle
Méthode d’enseignement :
Suivis réguliers et présentation individuelle lors des bilans collectifs et des examens semestriels. La motivation d’une pratique personnelle peut parfois se découvrir en s’autorisant une démarche formelle, voire formaliste; trouvant, au contraire, son sel dans la construction d’une pratique critique inattendue ou encore dans la réactivation d’une pratique délaissée.
Objectifs du cours :
Dans le contexte favorable de l’école d’art, ces crédits « hors média » cherchent à stimuler une conscience, une curiosité de l’étudiant afin qu’il développe un engagement dans des productions plastiques aux médiums variés. Il faut envisager une pratique des formes hors des sentiers habituellement dévolus au design graphique, s’émanciper des seules contraintes de la commande, des usages et des supports de communication attendus, des formats trop repérés. Si les thèmes de cette recherche personnelle appartiennent à l’étudiant(e), les productions se situent dans le contexte des pratiques artistiques contemporaines. Les repères culturels, théoriques et plastiques témoignent d’une curiosité culturelle affirmée et critique. L’intérêt pour les champs d’expérimentation sur différents supports est recherché: images fixes, animées ou vidéo, art sonore, écriture et texte, objets, dispositifs numériques expérimentaux, installations ou mises en espace, performance… Ces productions peuvent aussi être une extrapolation, une dérive libre à partir des recherches sur le sujet «Territoires de la ville» développé tout au long de ce premier semestre.
Modalités et critères de l’évaluation :
Exigence de l’exploration plastique et de la recherche documentaire et théorique; curiosité manifeste pour des champs de création autres que ceux du design graphique.
UE4 Bilan
Suivis individuels
Méthode d’enseignement :
Les entretiens donnent lieu à un apport de repères culturels afférents aux spécificités des thèmes, à des notions techniques, plastiques et théoriques qui fondent une méthodologie. Avant les évaluations, trois rendez-vous au moins sont demandés.
Objectifs du cours :
Construire et orienter l’élaboration du travail sur le thème commun du semestre.
Contenu du cours :
À chaque unité de cours, aux enseignements de pratique, d’expérimentation et de production est associée une part d’organisation documentaire, de savoirs techniques, d’engagement plastique et d’appréhension critique dont la convergence est un objectif permanent. La lisibilité et la cohérence de la démarche sont des aspects importants de
la mesure qualitative du travail.
Modalités et critères de l’évaluation :
Volonté de se confronter à la discussion et à la réflexion partagée avec les enseignants pour développer son propre esprit critique.
Suivis collectifs
Méthode d’enseignement :
Ce rendez-vous qui réunit les enseignants du semestre permet un cadrage collectif. Les orientations choisies sont discutées, confortées et critiquées.
Objectifs du cours :
Présenter le travail en cours selon les procédures de l’examen final, avec l’ensemble des enseignants concernés. En plus des entretiens individuels, l’étudiant fait le point sur le choix de son sujet de travail, expose ses premières recherches et présente ses projets engagés.
Contenu du cours :
Lors de ce premier exposé de synthèse, l’inscription de l’étudiant et sa conscience des attendus du cursus de l’option design graphique sont interrogées. L’entretien vise à objectiver cette capacité à réaliser l’unité progressive d’une démarche pour éviter la simple addition de réponses aux diverses sollicitations sur le mode scolaire, trop restrictif. Ce rendez-vous à la mi-décembre prépare individuellement la présentation pour l’évaluation finale au semestre en février.
Modalités et critères de l’évaluation :
Capacité à présenter clairement l’état des projets et à faire la synthèse d’une première étape de travail.
Grille d'évaluations Design Graphique 2 - Semestre 4 :
UE1 Pratique plastique : méthodologie de projet, techniques et mises en œuvre
La collection, évolution du projet
à venir
La collection, choix et autonomie des médias
à venir
Édition typo : traduction / trahison (S. Vermeil)
Méthode d’enseignement :
Cours théoriques et pratiques collectives d’atelier.
Contenu et objectifs du cours :
Objectif : Donner des éléments de réponse et de compréhension aux questions : qu’est-ce qu’une affiche ? Qu’est-ce que la couverture d’un livre ? Et qu’est-ce qui se joue à ces endroits particuliers ? Permettre l’expérimentation dans la conception et les moyens plastiques mis en œuvre. Apprendre à articuler une pensée « en ligne » et une pensée « en image » (A. Moles).
Contenu : Produire l’affiche d’un film ou la couverture d’un livre est de l’ordre de la traduction. Concevoir et réaliser une image à partir d’un texte, c’est sans doute à la fois le réduire et l’ouvrir.
Le réduire parce que l’image ne contiendra jamais, malgré nos bonnes intentions, toutes les idées, les évènements, les objets, les nuances d’un texte un peu long : il faut l’accepter, faire des choix, procéder par synthèse, ou ellipse, métaphore ou métonymie.
Mais c’est aussi l’ouvrir à toutes les projections et interprétations que pourra faire celle·celui qui reçoit l’image ou le « texte-image ». Chacun de nous regarde l’image à travers le prisme de son éducation, de sa culture, de ses centres d’intérêts. Les images les plus riches sont celles qui sont les plus « ouvertes » (Pensez au sourire de la Joconde) ou indécises, les plus équivoques. Pour cela, il faudra éviter d’être trop littéral.
Une affiche, comme une couverture, c’est souvent une porte d’entrée — cad ce qui précède le film, l’exposition, la lecture, … C’est ce à travers quoi j’accède à l’œuvre ou la proposition qui m’est faite. Mais c’est aussi ce qui reste visible parfois longtemps après le livre lu, le film vu, le concert passé. Cette image fixe et cristallise les souvenirs que l’on pourra y associer.
L’atelier se déroule sur 5 séances et s’appuie sur une sélection de textes d’auteurs aux préoccupations diverses susceptibles de nourrir la réflexion et les travaux des étudiant.e.s (John Berger, « L’oiseaux blanc », 1985 ; Harmut Rosa, Accélérons la résonance, 2022 ; Ursula Le Guin, « Mythe et archétypes en science fiction », 2016 ; Patrik Ourednik, Europeana — Une brève histoire du XXe siècle, 2004 ; David Bessis, « La théorie du touché », 2022).
Il est aussi l’occasion de partager de repères et des créations historiques.
Modalités et critères de l’évaluation :
Pertinence et qualité des propositions, cohérence et maîtrise des réalisations ; présence et engagement dans l’atelier et aux cours.
Repères bibliographiques / références :
- Bunpei Yorifuji, Le Dessin et les Mots, éd. B42, 2021
- Alan Fletcher, The Art of looking Sideways, New York, Paris, London, Phaïdon press
- Sara De Bondt and Fraser Muggeridge. The Form of the Book Book, Occasional Papers.
- Samuel Vermeil, « Notes sur le travail de pierre Faucheux », Marie Louise, 2006
- Sergio Polano, Pierpaolo Vetta, ABC of 20th century graphics, éd. Electa architecture, 2004
- Joseph Müller-Brockmann, Histoire de la communication visuelle, ed Niggli, 1971
- Richard Hollis , Le Graphisme de 1890 à nos jours, Thames and Hudson, 2002
- Roxane Jubert, Graphisme, typographie, histoire, éd. Flammarion, 2005
- Philip B. Meggs, Alston W. Purvis, Megg’s history of graphic design, ed. John Wiley & sons inc., 1997
Workshops
à venir
Photo-Roman (N. Ferrer-Gleize et A. Vasquez)
Méthode d’enseignement :
Cours, ateliers et rendez-vous individuels.
Contenu et objectifs du cours :
À partir d’un objet textuel qui leur sera proposé lors de la première séance, les étudiant·es devront réaliser un objet éditorial dans lequel le texte dialoguera avec une série photographique. Pour amorcer ce travail, une lecture commune et à un commentaire des textes auront lieu, ainsi qu’une discussion autour d’ouvrages de référence. Tout sera ensuite à déterminer par les étudiant·es : format, mise en page, choix du ou des caractères, séquence texte/image, pages d’entrée et de sortie, couverture, dos, etc. Tout le texte devra être mis en page dans Indesign. Il s’agira assez rapidement de définir la relation d’attsachement entre le texte et les images (de l’illustration littérale à l’accompagnement plus distancé) et d’établir un découpage entre les deux. La série photographique pourra, au choix, être entièrement réalisée par l’étudiant·e (création photographique originale) ou être le fruit d’un travail de recherche iconographique.
Ce cours a pour objectif de sensibiliser les étudiant·es à la relation texte-image, et plus précisément aux dialogues entre photographie, littérature et édition.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité ; engagement dans le travail ; participation active au cours des séances ; déploiement du travail et de l’écriture singulière du projet ; construction d’une méthodologie et d’une organisation personnelles
Culture des codes (A. Chazard)
Méthode d’enseignement :
Cours en atelier par classe entière : contextualisation historique et culturelle, apprentissage technique / Cours pratique, programmation en contexte d’atelier
Objectifs pédagogiques :
Interroger les limites des contenus habituellement présents sur Internet. Élaborer un contenu original susceptible d’y être publié. Apprendre HTML ainsi que des rudiments de CSS pour publier le contenu précédemment développé.
Contenu du cours :
Du web on se fait communément l’image qu’il est infini, que l’on peut tout y trouver. On l’imagine ouvert et multiple, ramifié à l’extrême, on s’y perd volontiers. Antibibliothèque, anti-rangement, il apparaît comme l’horizontalité suprême du savoir… En est-on bien sûr ? Et si de subtiles forces contraignaient en fait pensée et savoir à s’y présenter sous ce fard séduisant alors que contenus et idées ne se révèlent pas si accessibles qu’on voudrait le croire, voire se retrouvent filtrés, agencés, distribués… Nous sommes pourtant conscients d’avoir affaire à des systèmes qui organisent la visibilité des messages. Pourquoi oublions-nous si facilement cet aspect ? Quelles forces nous y conduisent ?
Modalités et critères de l’évaluation :
Implication et assiduité : 1° suivi des cours 2° mise en œuvre du sujet 3° production de pages web
Laboratoire du dessin (T. Henni)
à venir
UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère
Culture du design (L. Brosseau)
Méthode d’enseignement :
Cours magistraux et discussions collectives, classe entière. Ces moments d’échanges visent à débattre autour de textes et de références en lien avec les notions étudiées durant les cours. Ils permettent par ailleurs aux étudiants de partager leurs connaissances.
Contenu et objectifs du cours :
Objectif : Acquisition de références historiques, théoriques et culturelles en design graphique.
Contenu : Une séance inaugurale consacrée aux liens entre les pratiques du design graphique et la connaissance, l’étude de son histoire. Celle-ci permet d’introduire l’approche privilégiée durant l’année, soit une approche thématique et critique, reposant sur la contextualisation de différentes démarches et de projets. Ce cours se concentre dès lors d’abord sur des notions et des épisodes de l’histoire du design en lien avec le thème du semestre (la ville, le territoire).
Puis il croise les références étudiées avec les fondamentaux, l’histoire des techniques et des mouvements dialectiques ayant animés le design graphique depuis ses fondements jusqu’à nos jours : de l’invention de l’écriture à l’utilisation des outils numériques, autant que les attitudes et les débats existants au sein de la profession, entre « anonymat et autonomie, idiosyncrasie et universalité, repli élitiste et engagement social » (H. Armstrong, 2011).
Modalités et critères de l’évaluation :
Présence, participation et engagement dans les échanges. Réflexivité.
Repères bibliographiques / références :
- ARMSTRONG Helen (dir.), Le graphisme en texte. Lectures indispensables [2009], trad. de l’angl. par S. Darricau, Paris : Éditions Pyramyd, 2011.
- BALDINGER André, SMET Catherine (de), MILLOT Philippe (dir.), Design graphique, les formes de l’histoire, Paris : Éditions B42, La Défense : Centre National des Arts Plastiques, 2017.
- DE BONDT Sara, SMET Catherine (de) (dir.), Graphic Design: History in the Writing (1983-2011), Londres : Occasional Papers, 2012.
- GEEL Catherine, BRUNET Claire, Le design. Histoire, concepts, combats, Paris : Éditions Gallimard, coll. « Folio Essais », 2023.
- IMBERT Clémence, Manifestes 7. Ce que l’histoire fait au graphisme, Genève : HEAD — Publishing, coll. « Manifestes », 2024.
- JUBERT Roxane, Graphisme, typographie, histoire, Paris : Éditions Flammarion, 2005.
- KINROSS Robin, La typographie moderne. Un essai d’histoire critique [1992], trad. de l’angl. par A. Szidon, Paris : Éditions B42, 2012.
- LANTENOIS Annick, Le vertige du funambule. Le design graphique entre économie et morale, Paris : Éditions B42, Saint-Étienne : Cité du design, 2010.MOHOLY-NAGY László, « Le design pour la vie », in Peinture, photographie, film et autres écrits sur la photographie [1993], trad. de l’all. par C. Wermester et de l’angl. par J. Kempf et G. Dallez, Paris : Éditions Gallimard, coll. « Folio Essais », 2007.
- POTTER Norman, Qu’est-ce qu’un designer : objets. lieux. messages [1969], trad. de l’angl. par G. Rouffineau et Damien Suboticki, Paris: Éditions B42, Saint-Étienne : Cité du design, 2011.
- POYNOR Rick, Why Graphic Culture Matters. Essay, polemics and proposals about art, design and visual communication, Londres : Occasional Papers, 2023.
- REINFURT David, Un *nouveau* programme pour le design graphique [2019], trad. de l’angl. par E. Boyer et C. Pageard, Lyon : Éditions deux-cent-cinq, 2024
Notes sur la collection : récits, contexte, méthode
à venir
Édition typo atelier critique (S. Vermeil)
Méthode d’enseignement :
Cours théoriques et pratiques collectives d’atelier.
Contenu et objectifs du cours :
Objectif : Donner des éléments de réponse et de compréhension aux questions : qu’est-ce qu’une affiche ? Qu’est-ce que la couverture d’un livre ? Et qu’est-ce qui se joue à ces endroits particuliers ? Permettre l’expérimentation dans la conception et les moyens plastiques mis en œuvre. Apprendre à articuler une pensée « en ligne » et une pensée « en image » (A. Moles).
Contenu : Produire l’affiche d’un film ou la couverture d’un livre est de l’ordre de la traduction. Concevoir et réaliser une image à partir d’un texte, c’est sans doute à la fois le réduire et l’ouvrir.
Le réduire parce que l’image ne contiendra jamais, malgré nos bonnes intentions, toutes les idées, les évènements, les objets, les nuances d’un texte un peu long : il faut l’accepter, faire des choix, procéder par synthèse, ou ellipse, métaphore ou métonymie.
Mais c’est aussi l’ouvrir à toutes les projections et interprétations que pourra faire celle·celui qui reçoit l’image ou le « texte-image ». Chacun de nous regarde l’image à travers le prisme de son éducation, de sa culture, de ses centres d’intérêts. Les images les plus riches sont celles qui sont les plus « ouvertes » (Pensez au sourire de la Joconde) ou indécises, les plus équivoques. Pour cela, il faudra éviter d’être trop littéral.
Une affiche, comme une couverture, c’est souvent une porte d’entrée — cad ce qui précède le film, l’exposition, la lecture, … C’est ce à travers quoi j’accède à l’œuvre ou la proposition qui m’est faite. Mais c’est aussi ce qui reste visible parfois longtemps après le livre lu, le film vu, le concert passé. Cette image fixe et cristallise les souvenirs que l’on pourra y associer.
L’atelier se déroule sur 5 séances et s’appuie sur une sélection de textes d’auteurs aux préoccupations diverses susceptibles de nourrir la réflexion et les travaux des étudiant.e.s (John Berger, « L’oiseaux blanc », 1985 ; Harmut Rosa, Accélérons la résonance, 2022 ; Ursula Le Guin, « Mythe et archétypes en science fiction », 2016 ; Patrik Ourednik, Europeana — Une brève histoire du XXe siècle, 2004 ; David Bessis, « La théorie du touché », 2022).
Il est aussi l’occasion de partager de repères et des créations historiques.
Modalités et critères de l’évaluation :
Pertinence et qualité des propositions, cohérence et maîtrise des réalisations ; présence et engagement dans l’atelier et aux cours.
Repères bibliographiques / références :
- Bunpei Yorifuji, Le Dessin et les Mots, éd. B42, 2021
- Alan Fletcher, The Art of looking Sideways, New York, Paris, London, Phaïdon press
- Sara De Bondt and Fraser Muggeridge. The Form of the Book Book, Occasional Papers.
- Samuel Vermeil, « Notes sur le travail de pierre Faucheux », Marie Louise, 2006
- Sergio Polano, Pierpaolo Vetta, ABC of 20th century graphics, éd. Electa architecture, 2004
- Joseph Müller-Brockmann, Histoire de la communication visuelle, ed Niggli, 1971
- Richard Hollis , Le Graphisme de 1890 à nos jours, Thames and Hudson, 2002
- Roxane Jubert, Graphisme, typographie, histoire, éd. Flammarion, 2005
- Philip B. Meggs, Alston W. Purvis, Megg’s history of graphic design, ed. John Wiley & sons inc., 1997
Manifesto Mingling (M. Kenyon)
Méthode d’enseignement :
Cours en groupe entier puis en plus petites équipes.
Une séries de 4/5 cours : Lecture de divers manifestes d’artistes et designers en anglais, traduction vers le français. Rédaction bilingue par les étudiants eux-mêmes d’un manifeste sur des thèmes choisis issus des échanges autour des textes de ressource.
S’organiser, collaborer, mettre en commun, écouter et recevoir les avis des autres, apprécier échanger et enfin écrire ensemble pour aboutir à la production d’une affiche A0 avec le texte rédigé et mis en page par chaque groupe.
Lecture et présentation publique à l’ESAD.
Point de départ: Le manifeste First Things First par Ken Garland a été rédigé le 29 novembre 1963 et publié dans le journal The Guardian en 1964. Il a été co-signé par une vingtaine de designers graphiques, photographes et étudiants et soutenu par plus de 400 designers, graphistes et artistes.
Le manifeste fut une réaction à la société étriquée de l’après- guerre de la Grande Bretagne et appelait à un retour vers une approche humaniste au design. Il voulait contrer les productions triviales et chronophage de la publicité mainstream et concentrer les efforts dans l’éducation et le service public pour l’amélioration de la société.
Il a été repris régulièrement au cours des années et notamment en 2000, mais Ken Garland a déploré cette fois que les signataires comprenaient essentiellement des professionnels et moins d’autres groupes tels que des étudiants ou autres artistes.
Cette forme de manifeste est commune à de nombreux mouvements et artistes, déclarant ainsi les intentions et engagements au cours de l’histoire. Leur rédaction représente une étape importante dans l’évolution d’une pensée et les actions qui en découlent. Prendre connaissance de ces textes permet de se situer et réaliser comment sa personne et sa pratique peut s’intégrer à son époque.
Objectifs du cours et contenu :
Développer, par le biais de la lecture, la traduction et le partage de manifestos issus des domaines de l’art et du design graphique, la capacité de s’exprimer précisément et clairement en anglais sur le sens de son engagement artistique, social et politique en lien avec sa pratique, ses études et ses aspirations futures.
Modalités et critères de l’évaluation :
Régularité de présence et de rendu de travail.
Capacité à collaborer en équipe.
Participer activement au discussions et débats.
Articuler ses opinions et engagements en lien avec sa pratique et inscription à l’école.
Repères bibliographiques / références :
Repères bibliographiques / références :
https://www.royalacademy.org.uk/article/ten-game-changing- manifestos
https://www.arthistoryproject.com/subjects/manifesto/
100 Artists’ Manifestos Penguin Books
In real life (I. Oulton)
Méthode d’enseignement :
Cours uniquement en anglais en demi-groupe et sous-groupes
Tous les documents et mails d’information sur le contenu et les cours sont rédigés en anglais.
Les cours reposent sur une méthode communicative et une approche actionnelle, favorisant l’interaction orale et l’usage de la langue dans des situations concrètes.
Les activités proposées visent à développer l’autonomie langagière des étudiants à travers des projets, des jeux de rôles, des présentations orales, et des échanges en petits groupes. L’objectif est d’encourager une prise de parole régulière en anglais, en lien avec les projets actuels des étudiants et leur éventuel futur domaine professionnel.
L’enseignement s’appuie sur des supports authentiques et visuels (vidéos, extraits d’interviews d’artistes, portfolio, documents d’exposition) emmené par les étudiant.e.s pour favoriser l’expression et la compréhension. Les étudiant.e.s sont amené.e.s à décrire leur travail artistique, présenter un·e artiste de référence, ou commenter une œuvre, afin de renforcer leur vocabulaire spécifique et leur aisance à l’oral. Une place importante est donnée aux productions personnelles et aux échanges sur la pratique artistique.
Les séances sont conçues selon une pédagogie différenciée, afin de s’adapter à la diversité des niveaux d’anglais. Des activités en binômes ou en petits groupes permettent un apprentissage collaboratif, où les étudiants s’entraident et progressent ensemble pour progresser vers une dynamique de groupe bienveillante et participative.
L’accent est mis sur la communication orale (compréhension et expression), professionnel Des activités de reformulation, de jeu de rôle, et de présentation orale sont régulièrement mises en place pour permettre aux étudiants de gagner en fluidité et en confiance à l’oral.
Objectifs pédagogiques et contenu :
- Approfondir leur compréhension des réalités professionnelles des artistes et des designers graphiques à l’échelle internationale.
- Consolider leur niveau d’anglais, quel que soit leur niveau d’entrée, afin d’entamer la deuxième année avec les outils linguistiques nécessaires pour parler de leur travail, interagir en contexte professionnel et aborder les grands courants de l’art et du design, contemporains.
- Acquérir un vocabulaire technique et spécialisé lié à leur domaine de pratique.
- Maîtriser les fondamentaux de la communication orale en anglais : poser des questions, y répondre, interagir dans des échanges variés.
- Participer à, ou animer, un entretien professionnel, une table ronde ou une conférence.
- Analyser, commenter et situer des œuvres, des expositions ou des événements artistiques, et relier ces éléments à leur propre démarche.
- Présenter leur travail personnel de façon structurée et pertinente.
- Comprendre et mettre en œuvre les principes d’organisation et de présentation d’une exposition.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité – Présence
Participation – Progrès à l’oral en fonction du niveau propre à l’étudiant·e en début d’année
Rendus en fin de semestre – Réalisation d’un vidéo tuto
Repères bibliographiques / références :
Podcasts
The Art Angle – Artnet News
Design Matters – Debbie Millman
99% Invisible – Roman Mars
The Great Women Artists – Katy Hessel
The Black Art Podcast – Darin B.
Newsletters
The Art Newspaper
Contemporary Art
Daily
Hyperallergic
Artsy
Dezeen
Artnet News
UE3 Recherches et expérimentations
Proposition plastique personnelle
Méthode d’enseignement :
Suivis réguliers et présentation individuelle lors des bilans collectifs et des examens semestriels. La motivation d’une pratique personnelle peut parfois se découvrir en s’autorisant une démarche formelle, voire formaliste; trouvant, au contraire, son sel dans la construction d’une pratique critique inattendue ou encore dans la réactivation d’une pratique délaissée.
Objectifs du cours :
Dans le contexte favorable de l’école d’art, ces crédits « hors média » cherchent à stimuler une conscience, une curiosité de l’étudiant afin qu’il développe un engagement dans des productions plastiques aux médiums variés. Il faut envisager une pratique des formes hors des sentiers habituellement dévolus au design graphique, s’émanciper des seules contraintes de la commande, des usages et des supports de communication attendus, des formats trop repérés. Si les thèmes de cette recherche personnelle appartiennent à l’étudiant(e), les productions se situent dans le contexte des pratiques artistiques contemporaines. Les repères culturels, théoriques et plastiques témoignent d’une curiosité culturelle affirmée et critique. L’intérêt pour les champs d’expérimentation sur différents supports est recherché: images fixes, animées ou vidéo, art sonore, écriture et texte, objets, dispositifs numériques expérimentaux, installations ou mises en espace, performance… Ces productions peuvent aussi être une extrapolation, une dérive libre à partir des recherches sur le sujet «Territoires de la ville» développé tout au long de ce premier semestre.
Modalités et critères de l’évaluation :
Exigence de l’exploration plastique et de la recherche documentaire et théorique; curiosité manifeste pour des champs de création autres que ceux du design graphique.
UE4 Bilan
Suivis individuels
Méthode d’enseignement :
Les entretiens donnent lieu à un apport de repères culturels afférents aux spécificités des thèmes, à des notions techniques, plastiques et théoriques qui fondent une méthodologie. Avant les évaluations, trois rendez-vous au moins sont demandés.
Objectifs du cours :
Construire et orienter l’élaboration du travail sur le thème commun du semestre.
Contenu du cours :
À chaque unité de cours, aux enseignements de pratique, d’expérimentation et de production est associée une part d’organisation documentaire, de savoirs techniques, d’engagement plastique et d’appréhension critique dont la convergence est un objectif permanent. La lisibilité et la cohérence de la démarche sont des aspects importants de
la mesure qualitative du travail.
Modalités et critères de l’évaluation :
Volonté de se confronter à la discussion et à la réflexion partagée avec les enseignants pour développer son propre esprit critique.
Suivis collectifs
Méthode d’enseignement :
Ce rendez-vous qui réunit les enseignants du semestre permet un cadrage collectif. Les orientations choisies sont discutées, confortées et critiquées.
Objectifs du cours :
Présenter le travail en cours selon les procédures de l’examen final, avec l’ensemble des enseignants concernés. En plus des entretiens individuels, l’étudiant fait le point sur le choix de son sujet de travail, expose ses premières recherches et présente ses projets engagés.
Contenu du cours :
Lors de ce premier exposé de synthèse, l’inscription de l’étudiant et sa conscience des attendus du cursus de l’option design graphique sont interrogées. L’entretien vise à objectiver cette capacité à réaliser l’unité progressive d’une démarche pour éviter la simple addition de réponses aux diverses sollicitations sur le mode scolaire, trop restrictif. Ce rendez-vous à la mi-décembre prépare individuellement la présentation pour l’évaluation finale au semestre en février.
Modalités et critères de l’évaluation :
Capacité à présenter clairement l’état des projets et à faire la synthèse d’une première étape de travail.
ANNÉE 3 - Option Design, mention Design Graphique
Prolongement de l’année 2, le cursus des semestres 5 et 6 est également formé par l’alternance de cours théoriques, d’atelier, de workshops, de suivis individuels et de séances collectives. L’ensemble des enseignements, quelle que soit sa forme, est obligatoire au cours de la semaine et participe à l’évaluation semestrielle. Des bilans intermédiaires de l’état d’avancement des travaux ont lieu en décembre et en avril.
Une période de stage devra être effectuée au premier cycle. Les stages réalisés en deuxième année seront validés à la fin du semestre 6. 10 jours de stage obligatoire doivent être effectués pour la validation des crédits. Néanmoins, l’équipe pédagogique considère que les périodes plus longues de stage, dès la deuxième année, sont essentielles à la formation et à l’insertion professionnelle.
Le parcours complet de ces stages témoigne d’une connaissance des milieux professionnels du design graphique et qualifie le type d’insertion envisagée par l’étudiant à court ou moyen terme ; studio, agence, designer graphique indépendant, collectif, etc. Les stages donnent lieu à des notes de rapport succincts et à une synthèse globale.
Les travaux des deux semestres visent à mettre en œuvre des projets d’ambitions et de qualités graduellement croissantes, prenant au début la forme de trois modules bien définis permettant par la suite l’élaboration d’un projet personnel plus complet.
Au semestre 5 : trois modules choisis et investis par l’étudiant·e, un arc obligatoire, un arc optionnel.
Au semestre 6 : projet de diplôme.
Les modules, aux sujets et thématiques libres, font chacun l’objet d’une définition de problématique stricte et précise. Ils nécessitent une recherche rigoureuse de documentation dans le champ concerné, supposent l’acquisition de pratiques techniques adaptées pour imposer une écriture plastique singulière et pertinente.
L’investissement dans une production est requis. L’un des modules peut éventuellement se constituer depuis une pratique. Ils font l’objet d’un triple contrat à la suite du bilan collectif de décembre. Les différents cours du semestre alimentent et accompagnent cette nouvelle phase qui réclame une réelle autonomie.
Directement déterminé et orienté par le projet de diplôme, le semestre 6 est nourri des expérimentations précédentes. Il ne prend pas nécessairement la forme du développement privilégié d’un de ces projets initiaux, mais profite graphiquement des acquis précédents en termes de méthodologie, de maîtrise plastique et de culture des médias.
Un document écrit et mis en forme, comprenant une bibliographie, présente le projet et situe le contexte, les enjeux et les perspectives du sujet. Il est adressé aux membres du jury en avance de la présentation aux épreuves du diplôme, avec les notes et la synthèse des stages.
Au cours du semestre 6, les étudiant·es doivent réfléchir à leur souhait de poursuivre en 2e cycle à l’école ou non. Leur décision fera l’objet d’une candidature qui sera étudiée à l’occasion d’une commission d’admission interne. Les candidat·es au cycle supérieur préparent également un dossier de stage de longue durée ou de séjour à l’étranger qui aura lieu au semestre 8, ainsi qu’un portfolio qui les accompagnera une fois diplômés. L’inscription dans un établissement européen donnera lieu à l’attribution de bourses : OFAJ, Explora Sup de la Région Rhône-Alpes ou Erasmus.
Liste des unités d'enseignements
Semestres 5
UE1 : Pratique plastique : Méthodologie de projet, techniques et mises en œuvre – 12 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 8 ECTS
UE3 : Recherches et expérimentations – 6 ECTS
UE4 : Bilan – 4 ECTS
Semestres 6
UE1 : Pratique plastique : Méthodologie de projet, techniques et mises en œuvre – 4 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 5 ECTS
UE3 : Recherches et expérimentations personnelles – 4 ECTS
UE4 : Stage, expérimentation des milieux de création et de production – 2 ECTS
UE5 : Diplôme – 15 ECTS
Grille d'évaluations Design Graphique 3 - Semestre 5 :
UE1 Pratique plastique : méthodologie de projet, techniques et mises en œuvre
Hyperlecture - atelier pratique (S. Vermeil)
Méthode d’enseignement :
Un projet est mené sur la durée du semestre, ponctué de séances pratiques. Cet atelier s’articule aux cours théoriques du même nom.
Contenu et objectifs du cours :
Objectif : Constituer une base documentaire relative à un projet plastique, une bibliographie solide sur un sujet de recherche ; favoriser la lecture et la découverte de textes/ d’auteurs ; Faire l’expérience des enjeux propres à un projet de publication dont les étudiant.e.s sont à la fois, designers graphique et « éditeurs ».
Contenu : Cet atelier s’articule à un ensemble d’apports théoriques autour de l’expérience de lecture en relation aux enjeux de design éditorial.
La notion d’hyperlecture renvoie à des pratiques dont nous faisons quotidiennement l’expérience: recherche en plein texte, suivis d’hyperliens, filtrage par mots clefs, fragmentation, … et cet ensemble de pratiques correspond à un type de lecture non-linéaire très différent de la lecture concentrée et silencieuse décrite par Gerard Unger dans son ouvrage Pendant la lecture.
Dans les environnements numériques, l’hyperlecture s’est imposée comme une nécessité. Elle permet au lecteur de construire rapidement des paysages de domaines et sous-domaines de recherches associés ; elle lui présente un éventail de possibilités ; elle lui permet d’identifier les textes et passages les plus pertinents pour une requête donnée ; et elle l’autorise à juxtaposer facilement un grand nombre de livres et de textes différents (cf. Katherine Hayles).
L’objet de l’atelier sera de construire un recueil de textes, un « reader », contenant un ensemble de lectures réalisées/à venir, associées à un sujet, une thématique sur lequel vous travaillez ce semestre (Modules — à déterminer ensemble). Dans la conception de la forme graphique de l’ouvrage, chacun de vous aura à réfléchir l’organisation et la structure du recueil (volume, ordre des textes, place des images, annexes, …); les moyens de la conduite des lectures internes aux textes (hiérarchisation, composition, choix typo, …) et ceux mis en œuvre pour la circulation entre les textes (notes, renvois, index, balises, …). C’est à l’endroit des circulations rendues possibles entre les textes qu’est l’enjeu principal et la singularité de ce projet.
Je vous propose d’être les designer.euses graphiques d’une «hyperlecture»: il ne s’agit pas de lire à fond chacun des textes rassemblés (même si on doit les connaître), il s’agit plutôt de trouver la forme concrète d’un ensemble de lectures plus rapides et transversales — telles qu’elles existent sur le web, telles qu’on les pratique dans nos usages des écrans.
Dans ces lectures, images et documents devront avoir une place. Une iconographie doit nourrir votre sujet, au service de la cohérence de l’ensemble ou, peut-être, de la distraction du lecteur.
Modalités et critères de l’évaluation :
Pertinence et qualité des propositions, cohérence et maîtrise des réalisations ; présence et engagement dans l’atelier.
Repères bibliographiques / références :
- Hayles, Nathalie K., Lire et penser en milieux numériques : Attention, récits, technogenèse. Trans. Christophe Degoutin. Grenoble : UGA Éditions, 2016.
- Gerard Unger, Pendant la lecture, éd. B42, 2015
- Sara De Bondt and Fraser Muggeridge. The Form of the Book Book, Occasional Papers, 2009 — Ben Fry, The Preservation of Favoured Traces, 2009. Web. < https://fathom.info/traces/>
- Charles Bigelow, « Lisibilité et typographie : les recherches durant la première moitié du XXe siècle” in Jacques André (dir.), Histoire de l’écriture typographique
- Le XXe siècle Tome 1, de 1900 à 1950, éd. Peyrousseaux, Paris, 2017
- Robert Bringhurst, “Choisir et associer les caractères typographiques”, in Azimuts n° 39, 2013, pp.— Jost Hochuli, Le détail en typographie, Paris, éd. B42, 2010.
- Jost Hochuli, Comment faire un livre, éd. Agfa Compugraphic, 1989
- James Goggin, “The Gordon Matta-Clark Complex” in The form of the book book (Sara De Bondt & Fraser Muggeridge ed.), Occasional papers, 2009, pp. 23-31
- Derek Birdsall, Notes On Book Design, ed. Yale University Press, 2004
- Code typographique, à l’usage des auteurs et des traducteurs, éd. du Seuil, 1975
Type design (A. Vasquez)
Méthode d’enseignement :
Cours magistraux et en atelier
Contenu et objectifs du cours :
Introduction au type design, sous la forme d’ateliers et de cours et de rendez-vous individuels. L’intention est d’appréhender les codes et les conventions qui délimitent la transmission visuelle du langage et donc des formes typographiques qui en découlent; leurs aspects matériels et culturels; et de s’initier aux techniques et méthodes qui en définissent l’articulation et la restitution (dessin à la main et à l’écran, apprentissage des logiciels).
Modalités et critères de l’évaluation :
Contrôle continu.
Repères bibliographiques / références :
— Adrian Frutiger, À bâtons rompus, Atelier Perrousseaux, 2001
— Jost Hochuli, Le détail en typographie, B42, 2015
— Michael Twyman, ‘Typography without words’, Visible Language, volume 15, issue 1, 1981
— Gerard Unger, Theory of type design, nai010, 2018
Sous le capot (I. Bayle)
Méthode d’enseignement :
Séquences de cours, partages de références à propos de didactique visuelle, de notions de mise en page en mouvement et de schématisation, de dessin en trois dimensions. Tutoriels collectifs et suivi individuel sur le logiciel libre de modélisation, d’animation par ordinateur et de rendu en 3D de modélisation Blender.
Contenu et objectifs du cours :
Modéliser, animer avec une vision didactique le fonctionnement d’un procédé d’impression. Composer un poster didactique en mouvement et en trois dimensions. Maîtriser la composition visuelle dans un format donné, la hiérarchisation et la sélection des éléments nécessaires à la conception du poster, mettre à contribution l’animation, dans l’optique d’expliciter un mécanisme. Contenus Conception d’un poster animé explicitant une technique, une machine, l’emploi d’un outil relatif à l’un des modules du premier semestre.
Modalités et critères de l’évaluation :
Pertinence de l’objet de l’animation, participation aux séquences collectives et aux créneaux de rendez-vous de suivi personnels proposés, rendu des exercices et du projet final
Repères bibliographiques / références :
– Studio Feixen, https://www.studiofeixen.ch/about/
– Chaîne YouTube, Blender Guru https://youtu.be/nIoXOplUvAw? si=owXwmnuWKOzvdkbv
– Appareil de Fiseau, Musée de l’école polytechnique, Dépli design studio, 2018
– Parallel Worlds Probably Exist, https://www.youtube.com/watch? v=kTXTPe3wahc&t=6s, 2021 Chaîne YouTube Veritasium
Récits non linéaire (A. Chazard)
Méthode d’enseignement :
Cours en atelier par classe entière, cours historique et théorique (UE2), échanges d’idées horizontaux, cours pratique (UE1), programmation en contexte d’atelier.
Objectifs du cours :
Acquérir les points de repère permettant de comprendre comment les modes de narration influent sur les histoires et sont eux-mêmes influencés par les systèmes techniques.
Contenu du cours :
La non-linéarité marque l’obsolescence des formes historiques de narration (roman, théâtre, conte…) et constitue une contemporanéité renouvelée du contact entre déposant·e (auteurice, designeureuse, artiste) et recevant·e (lecteurice, spectateurice, interacteurice). La notion de non-linéarité est prise comme reflet dialectique des formes les plus communément rencontrées dans les artefacts culturels qui affirment pour principe de rechercher leur fin, saturant l’espace des récits possibles de figures comme le happy end ou l’exposition des personnages et du contexte en début de récit, etc. Nous verrons lors de ce cours comment, depuis le livre jusqu’aux sites web la création cherche de nouvelles formes, en faisant le pari de s’affranchir d’un récit trop linéaire.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité, suivi, engagement dans la production du sujet, contrôle continu.
Repères bibliographiques / références :
DUPIEUX Quentin, Réalité, film, 2012
DANIELEWSKI Mark Z., La maison des feuilles, roman, Denoël, 2002
MELLIER Fanette, Modular, principe graphique et installation, 2012
BUTOR Michel, Mobile, Gallimard, 1962
BOISSIER Jean-Louis :- Moments de Jean-Jacques Rousseau, CD-ROM, 2000
– Essais interactifs, CD-ROM, 2004
UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère
Hyperlecture - atelier critique (S. Vermeil)
Méthode d’enseignement :
Un projet est mené sur la durée du semestre, ponctué de séances pratiques. Cet atelier s’articule aux cours théoriques du même nom.
Contenu et objectifs du cours :
Objectif : Constituer une base documentaire relative à un projet plastique, une bibliographie solide sur un sujet de recherche ; favoriser la lecture et la découverte de textes/ d’auteurs ; Faire l’expérience des enjeux propres à un projet de publication dont les étudiant.e.s sont à la fois, designers graphique et « éditeurs ».
Contenu : Cet atelier s’articule à un ensemble d’apports théoriques autour de l’expérience de lecture en relation aux enjeux de design éditorial.
La notion d’hyperlecture renvoie à des pratiques dont nous faisons quotidiennement l’expérience: recherche en plein texte, suivis d’hyperliens, filtrage par mots clefs, fragmentation, … et cet ensemble de pratiques correspond à un type de lecture non-linéaire très différent de la lecture concentrée et silencieuse décrite par Gerard Unger dans son ouvrage Pendant la lecture.
Dans les environnements numériques, l’hyperlecture s’est imposée comme une nécessité. Elle permet au lecteur de construire rapidement des paysages de domaines et sous-domaines de recherches associés ; elle lui présente un éventail de possibilités ; elle lui permet d’identifier les textes et passages les plus pertinents pour une requête donnée ; et elle l’autorise à juxtaposer facilement un grand nombre de livres et de textes différents (cf. Katherine Hayles).
L’objet de l’atelier sera de construire un recueil de textes, un « reader », contenant un ensemble de lectures réalisées/à venir, associées à un sujet, une thématique sur lequel vous travaillez ce semestre (Modules — à déterminer ensemble). Dans la conception de la forme graphique de l’ouvrage, chacun de vous aura à réfléchir l’organisation et la structure du recueil (volume, ordre des textes, place des images, annexes, …); les moyens de la conduite des lectures internes aux textes (hiérarchisation, composition, choix typo, …) et ceux mis en œuvre pour la circulation entre les textes (notes, renvois, index, balises, …). C’est à l’endroit des circulations rendues possibles entre les textes qu’est l’enjeu principal et la singularité de ce projet.
Je vous propose d’être les designer.euses graphiques d’une «hyperlecture»: il ne s’agit pas de lire à fond chacun des textes rassemblés (même si on doit les connaître), il s’agit plutôt de trouver la forme concrète d’un ensemble de lectures plus rapides et transversales — telles qu’elles existent sur le web, telles qu’on les pratique dans nos usages des écrans.
Dans ces lectures, images et documents devront avoir une place. Une iconographie doit nourrir votre sujet, au service de la cohérence de l’ensemble ou, peut-être, de la distraction du lecteur.
Modalités et critères de l’évaluation :
Pertinence et qualité des propositions, cohérence et maîtrise des réalisations ; présence et engagement dans l’atelier.
Repères bibliographiques / références :
- Hayles, Nathalie K., Lire et penser en milieux numériques : Attention, récits, technogenèse. Trans. Christophe Degoutin. Grenoble : UGA Éditions, 2016.
- Gerard Unger, Pendant la lecture, éd. B42, 2015
- Sara De Bondt and Fraser Muggeridge. The Form of the Book Book, Occasional Papers, 2009 — Ben Fry, The Preservation of Favoured Traces, 2009. Web. < https://fathom.info/traces/>
- Charles Bigelow, « Lisibilité et typographie : les recherches durant la première moitié du XXe siècle” in Jacques André (dir.), Histoire de l’écriture typographique
- Le XXe siècle Tome 1, de 1900 à 1950, éd. Peyrousseaux, Paris, 2017
- Robert Bringhurst, “Choisir et associer les caractères typographiques”, in Azimuts n° 39, 2013, pp.— Jost Hochuli, Le détail en typographie, Paris, éd. B42, 2010.
- Jost Hochuli, Comment faire un livre, éd. Agfa Compugraphic, 1989
- James Goggin, “The Gordon Matta-Clark Complex” in The form of the book book (Sara De Bondt & Fraser Muggeridge ed.), Occasional papers, 2009, pp. 23-31
- Derek Birdsall, Notes On Book Design, ed. Yale University Press, 2004
- Code typographique, à l’usage des auteurs et des traducteurs, éd. du Seuil, 1975
Projet de diplôme : note d'intention
à venir
In real life (I. Oulton)
Méthode d’enseignement :
Cours uniquement en anglais en demi-groupe et sous-groupes
Tous les documents et mails d’information sur le contenu et les cours sont rédigés en anglais.
Les cours reposent sur une méthode communicative et une approche actionnelle, favorisant l’interaction orale et l’usage de la langue dans des situations concrètes.
Les activités proposées visent à développer l’autonomie langagière des étudiants à travers des projets, des jeux de rôles, des présentations orales, et des échanges en petits groupes. L’objectif est d’encourager une prise de parole régulière en anglais, en lien avec les projets actuels des étudiants et leur éventuel futur domaine professionnel.
L’enseignement s’appuie sur des supports authentiques et visuels (vidéos, extraits d’interviews d’artistes, portfolio, documents d’exposition) emmené par les étudiant.e.s pour favoriser l’expression et la compréhension. Les étudiant.e.s sont amené.e.s à décrire leur travail artistique, présenter un·e artiste de référence, ou commenter une œuvre, afin de renforcer leur vocabulaire spécifique et leur aisance à l’oral. Une place importante est donnée aux productions personnelles et aux échanges sur la pratique artistique.
Les séances sont conçues selon une pédagogie différenciée, afin de s’adapter à la diversité des niveaux d’anglais. Des activités en binômes ou en petits groupes permettent un apprentissage collaboratif, où les étudiants s’entraident et progressent ensemble pour progresser vers une dynamique de groupe bienveillante et participative.
L’accent est mis sur la communication orale (compréhension et expression), professionnel Des activités de reformulation, de jeu de rôle, et de présentation orale sont régulièrement mises en place pour permettre aux étudiants de gagner en fluidité et en confiance à l’oral.
Objectifs pédagogiques et contenu :
- Approfondir leur compréhension des réalités professionnelles des artistes et des designers graphiques à l’échelle internationale.
- Consolider leur niveau d’anglais, quel que soit leur niveau d’entrée, afin d’entamer la deuxième année avec les outils linguistiques nécessaires pour parler de leur travail, interagir en contexte professionnel et aborder les grands courants de l’art et du design, contemporains.
- Acquérir un vocabulaire technique et spécialisé lié à leur domaine de pratique.
- Maîtriser les fondamentaux de la communication orale en anglais : poser des questions, y répondre, interagir dans des échanges variés.
- Participer à, ou animer, un entretien professionnel, une table ronde ou une conférence.
- Analyser, commenter et situer des œuvres, des expositions ou des événements artistiques, et relier ces éléments à leur propre démarche.
- Présenter leur travail personnel de façon structurée et pertinente.
- Comprendre et mettre en œuvre les principes d’organisation et de présentation d’une exposition.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité – Présence
Participation – Progrès à l’oral en fonction du niveau propre à l’étudiant·e en début d’année
Rendus en fin de semestre – Réalisation d’un vidéo tuto
Repères bibliographiques / références :
Podcasts
The Art Angle – Artnet News
Design Matters – Debbie Millman
99% Invisible – Roman Mars
The Great Women Artists – Katy Hessel
The Black Art Podcast – Darin B.
Newsletters
The Art Newspaper
Contemporary Art
Daily
Hyperallergic
Artsy
Dezeen
Artnet News
B.E.A.M (M. Kenyon)
à venir
UE3 Recherches et expérimentations
Module #1
à venir
Module #2
Module #3 ou ARC
UE4 Bilan
Suivis individuels
Méthode d’enseignement :
Les entretiens donnent lieu à un apport de repères culturels afférents aux spécificités des thèmes, à des notions techniques, plastiques et théoriques qui fondent une méthodologie. Avant les évaluations, trois rendez-vous au moins sont demandés.
Objectifs du cours :
Construire et orienter l’élaboration du travail sur le thème commun du semestre.
Contenu du cours :
À chaque unité de cours, aux enseignements de pratique, d’expérimentation et de production est associée une part d’organisation documentaire, de savoirs techniques, d’engagement plastique et d’appréhension critique dont la convergence est un objectif permanent. La lisibilité et la cohérence de la démarche sont des aspects importants de
la mesure qualitative du travail.
Modalités et critères de l’évaluation :
Volonté de se confronter à la discussion et à la réflexion partagée avec les enseignants pour développer son propre esprit critique.
Suivis collectifs
Méthode d’enseignement :
Ce rendez-vous qui réunit les enseignants du semestre permet un cadrage collectif. Les orientations choisies sont discutées, confortées et critiquées.
Objectifs du cours :
Présenter le travail en cours selon les procédures de l’examen final, avec l’ensemble des enseignants concernés. En plus des entretiens individuels, l’étudiant fait le point sur le choix de son sujet de travail, expose ses premières recherches et présente ses projets engagés.
Contenu du cours :
Lors de ce premier exposé de synthèse, l’inscription de l’étudiant et sa conscience des attendus du cursus de l’option design graphique sont interrogées. L’entretien vise à objectiver cette capacité à réaliser l’unité progressive d’une démarche pour éviter la simple addition de réponses aux diverses sollicitations sur le mode scolaire, trop restrictif. Ce rendez-vous à la mi-décembre prépare individuellement la présentation pour l’évaluation finale au semestre en février.
Modalités et critères de l’évaluation :
Capacité à présenter clairement l’état des projets et à faire la synthèse d’une première étape de travail.
Grille d'évaluations Design Graphique 3 - Semestre 6 :
UE1 Pratique plastique : méthodologie de projet, techniques et mises en œuvre
Photo-roman (N. Ferrer-Gleize et A. Vasquez)
Méthode d’enseignement :
Cours, ateliers et rendez-vous individuels.
Contenu et objectifs du cours :
À partir d’un objet textuel qui leur sera proposé lors de la première séance, les étudiant·es devront réaliser un objet éditorial dans lequel le texte dialoguera avec une série photographique. Pour amorcer ce travail, une lecture commune et à un commentaire des textes auront lieu, ainsi qu’une discussion autour d’ouvrages de référence. Tout sera ensuite à déterminer par les étudiant·es : format, mise en page, choix du ou des caractères, séquence texte/image, pages d’entrée et de sortie, couverture, dos, etc. Tout le texte devra être mis en page dans Indesign. Il s’agira assez rapidement de définir la relation d’attsachement entre le texte et les images (de l’illustration littérale à l’accompagnement plus distancé) et d’établir un découpage entre les deux. La série photographique pourra, au choix, être entièrement réalisée par l’étudiant·e (création photographique originale) ou être le fruit d’un travail de recherche iconographique.
Ce cours a pour objectif de sensibiliser les étudiant·es à la relation texte-image, et plus précisément aux dialogues entre photographie, littérature et édition.
Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité ; engagement dans le travail ; participation active au cours des séances ; déploiement du travail et de l’écriture singulière du projet ; construction d’une méthodologie et d’une organisation personnelles
La fabrique des formes (C. Rossignol-Brunet)
Méthode d’enseignement
Cours théorique
Atelier en classe entière
Rendez-vous individuel
Objectifs du cours
Permettre à l’étudiant·e de conserver une trace des différentes étapes de recherche des travaux réalisés au cours du semestre. Apprendre à faire coexister des contenus divers au sein d’une même édition numérique et à penser les manières de structurer l’information en lien avec une production singulière. Apprendre à construire un espace éditorial destiné à accueillir des informations de manière continue. Constituer une bibliographie en lien avec les projets des étudiant·e·s.
Contenu du cours
En partant des modules choisis par les étudiant·e·s, iels sont invité·e·s à concevoir un site web permettant de documenter et d’archiver leurs étapes de travail ainsi que leurs références sur chacun des projets initiés ce semestre. L’objet conçu aura pour vocation de garder trace des différentes expérimentations, questionnements et impasses des projets tout en donnant une vision d’ensemble du travail réalisé sur le semestre, tissant des liens entre les diverses réalisations et préoccupations de l’étudiant·e. Le projet sera accompagné de cours de programmation web (HTML / CSS / JS) permettant la réalisation du projet et le développement d’une réflexion sur la forme et l’interactivité à travers l’écran. Les cours seront aussi l’occasion d’aborder les questions des formats de données et de leur utilisation.
Modalités et critères de l’évaluation
Présence et implication dans l’atelier et aux cours. Pertinence dans l’organisation et la documentation des différentes entrées sur l’objet éditorial. Qualité des réalisations.
Repères bibliographiques / références :
- La fabrique du pré, Francis Ponge, Gallimard, collection Blanche, février 2021, 144 p.
- L’Atlas Mnémosyne, Aby Warburg, L’ecarquillé, 2012
- Parallel Encyclopedia #1, Batia Suter, Roma publications, 2007
- Documenter une production en design graphique, Antoine Gelgon, Mémoire de DNSEP, ÉSAD VALENCE, 2015
- Whole Earth Index : https://wholeearth.info/
- Travail de documentation de la fonderie Forgotten Shapes https://forgotten-shapes.com/
La main qui parle (T. Henni)
à venir
UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère
Culture du design (L. Brosseau)
Méthode d’enseignement :
Cours magistraux et discussions collectives, classe entière. Ces moments d’échanges visent à débattre autour de textes et de références en lien avec les notions étudiées durant les cours. Ils permettent par ailleurs aux étudiants de partager leurs connaissances.
Contenu et objectifs du cours :
Objectif : Acquisition de références historiques, théoriques et culturelles en design graphique.
Contenu : Une séance inaugurale consacrée aux liens entre les pratiques du design graphique et la connaissance, l’étude de son histoire. Celle-ci permet d’introduire l’approche privilégiée durant l’année, soit une approche thématique et critique, reposant sur la contextualisation de différentes démarches et de projets. Ce cours se concentre dès lors d’abord sur des notions et des épisodes de l’histoire du design en lien avec le thème du semestre (la ville, le territoire).
Puis il croise les références étudiées avec les fondamentaux, l’histoire des techniques et des mouvements dialectiques ayant animés le design graphique depuis ses fondements jusqu’à nos jours : de l’invention de l’écriture à l’utilisation des outils numériques, autant que les attitudes et les débats existants au sein de la profession, entre « anonymat et autonomie, idiosyncrasie et universalité, repli élitiste et engagement social » (H. Armstrong, 2011).
Modalités et critères de l’évaluation :
Présence, participation et engagement dans les échanges. Réflexivité.
Repères bibliographiques / références :
- ARMSTRONG Helen (dir.), Le graphisme en texte. Lectures indispensables [2009], trad. de l’angl. par S. Darricau, Paris : Éditions Pyramyd, 2011.
- BALDINGER André, SMET Catherine (de), MILLOT Philippe (dir.), Design graphique, les formes de l’histoire, Paris : Éditions B42, La Défense : Centre National des Arts Plastiques, 2017.
- DE BONDT Sara, SMET Catherine (de) (dir.), Graphic Design: History in the Writing (1983-2011), Londres : Occasional Papers, 2012.
- GEEL Catherine, BRUNET Claire, Le design. Histoire, concepts, combats, Paris : Éditions Gallimard, coll. « Folio Essais », 2023.
- IMBERT Clémence, Manifestes 7. Ce que l’histoire fait au graphisme, Genève : HEAD — Publishing, coll. « Manifestes », 2024.
- JUBERT Roxane, Graphisme, typographie, histoire, Paris : Éditions Flammarion, 2005.
- KINROSS Robin, La typographie moderne. Un essai d’histoire critique [1992], trad. de l’angl. par A. Szidon, Paris : Éditions B42, 2012.
- LANTENOIS Annick, Le vertige du funambule. Le design graphique entre économie et morale, Paris : Éditions B42, Saint-Étienne : Cité du design, 2010.MOHOLY-NAGY László, « Le design pour la vie », in Peinture, photographie, film et autres écrits sur la photographie [1993], trad. de l’all. par C. Wermester et de l’angl. par J. Kempf et G. Dallez, Paris : Éditions Gallimard, coll. « Folio Essais », 2007.
- POTTER Norman, Qu’est-ce qu’un designer : objets. lieux. messages [1969], trad. de l’angl. par G. Rouffineau et Damien Suboticki, Paris: Éditions B42, Saint-Étienne : Cité du design, 2011.
- POYNOR Rick, Why Graphic Culture Matters. Essay, polemics and proposals about art, design and visual communication, Londres : Occasional Papers, 2023.
- REINFURT David, Un *nouveau* programme pour le design graphique [2019], trad. de l’angl. par E. Boyer et C. Pageard, Lyon : Éditions deux-cent-cinq, 2024
UE3 Recherches et expérimentations
Projet de diplôme - production
à venir
Projet de diplôme - Contextualisation
UE4 Stage, expérimentation des milieux de création et de production
Rapport de stage
à venir
UE5 Diplôme
DNA
à venir
Deuxième cycle - option Design, mention Design graphique et éditorial
La formation Design graphique vise à former de jeunes designers qui investiront les champs du design graphique, du multimédia et des pratiques artistiques contemporaines avec un profil riche au niveau culturel, technique et formel leur permettant d’être à l’aise avec des demandes et commandes multiples et protéiformes, maîtrisant différents domaines qu’on peut regrouper en cinq grandes catégories :
- Le design d’éditions (livre, presse, publications numériques, hors-média)
- Le design des identités (identités visuelles, design institutionnel…)
- Le design numérique (site Internet, installations interactives, nouvelles technologies, animation…)
- Le design d’information (communication visuelle, pédagogie, data design, signalétique…)
- Le champ de la création destiné à l’exposition (qui se placera aux côtés des autres formes de la création contemporaine).
Il s’agit tout autant d’outiller un futur professionnel que de participer à la construction de sa personnalité, que de le préparer à un positionnement d’auteur sur des sujets qui leur sont propres et qui sont souvent dans la continuité de son projet de diplôme.
- Le développement de la capacité de travail et de recherche personnelle ;
- La formulation de la capacité d’analyse ;
- L’acquisition des bases techniques et des outils conceptuels indispensables à la poursuite des études.
ANNÉE 4 - option design, mention Design graphique et éditorial
La 4e année ouvre le second cycle du cursus design graphique qui a pour perspective d’inscrire les étudiant·es inscrire comme futur·e·s acteur·ice·s exigeant·e·s, efficace·s et informé·e·s du champ du design graphique. Cette année est ainsi marquée par l’expérimentation, la recherche et l’ouverture culturelle. Il s’agit d’une année où l’étudiant.e remet les choses à plat, en questionnant leurs acquis techniques et théoriques, les sujets sur lesquels les étudiant.es ont travaillé ; mais c’est aussi le moment d’une prise de position, d’une affirmation plus forte dans un champ de pratique déterminé, qui sera investi fortement dans ses différentes dimensions (technique, culturelle, conceptuelle, …)
– Expérimentation et recherche : au cours du premier semestre, le travail est non-seulement porté par les interventions enseignant·e·s (sous la forme de rendez-vous collectifs, individuels et les ARC), ainsi que par les présences régulières d’un·e invité·e annuel·le. Le semestre se structure également autour d’intérêts et questionnements, par l’initiation de projets personnels durant des temps d’atelier, mais également par la préparation à la mobilité et la mise en chantier du projet/mémoire. Cette organisation suppose de faire preuve d’une grande autonomie dans les méthodes de travail et d’une certaine curiosité dans l’exploration et l’affirmation de modes d’action et de techniques de productions variés. Dans ce contexte de travail pratique la définition et la documentation d’un sujet de mémoire sont à avancer. Quelle que soit la thématique choisie, il s’agit de favoriser des formes de questionnements et d’enquêtes qui doivent être l’occasion d’un travail de recherche (enrichi de lectures, de rencontres et d’échanges) dont l’objectif est de conduire une réflexion théorique singulière restituée sous forme de texte et d’images. La rédaction rigoureuse et documentée des premiers états de la forme écrite au cours des deux semestres de cette année, annonce les enjeux de la 5e année.
– Ouverture culturelle : Pour faciliter cette ouverture, les rencontres, les voyages et séjours sont obligatoires au cours du second semestre, que ce soit dans le cadre d’un stage à l’étranger ou d’une mobilité dans un établissement européen partenaire de l’école.
Liste des unités d'enseignements
Semestre 7 :
UE1 : Initiation à la recherche – suivi mémoire, philosophie, histoire des arts – 9 ECTS
UE2 : Projet plastique – prospective, méthodologie, production – 20 ECTS
UE3 : Langue étrangère – 1 ECTS
Semestre 8 :
UE1 : Initiation à la recherche, dont mémoire – 9 ECTS
UE2 : Projet plastique – prospective, méthodologie, production – 20 ECTS
UE3 : Langue étrangère – 1 ECTS
Grille d'évaluations Design Graphique 4 - Semestre 7 :
UE1 Initiation à la recherche – suivi mémoire, philosophie, histoire des arts
Méthodologie de recherche : définition du sujet de mémoire, enquête et documentation, sensibilisation aux outils d'écriture
à venir
ARC - Studio : conception
Méthode d’enseignement :
Travail dans les ateliers.
Objectifs du cours :
Se familiariser avec la conception, l’élaboration et la réalisation d’un travail artistique, et avec l’exploration pratique et théorique de tous ses matériaux.
Contenu du cours :
Chaque étudiant.e doit développer des travaux d’atelier sur des supports choisis et à partir d’enjeux, de thèmes, de sujets et de formes libres. Il/elle devra placer ses recherches dans un champ suffisamment large pour explorer différentes méthodologies, pour se familiariser aux techniques, aux outils et aux diverses pratiques plastiques, tout en construisant une réflexion pertinente et exigeante sur les enjeux artistiques et esthétiques de son travail.
Modalités et critères de l’évaluation :
L’évaluation portera sur la capacité de l’étudiant à développer un travail personnel, sur la méthodologie utilisée et sur ses facultés réflexives.
Préparation et finalisation du projet de mobilité
à venir
UE2 Projet plastique – prospective, méthodologie, production
Invité annuel
Méthode d’enseignement :
La 4e année marque l’entrée dans le second cycle d’études. Il se clôture par le passage d’une soutenance de mémoire et une soutenance de travaux plastiques en fin de 5e année afin d’obtenir le Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique DNSEP, dont le grade universitaire correspond au Master. Le 1er semestre de la 4e année est l’occasion d’une rencontre avec une ou plusieurs personnalités étrangères qui viennent assurer une partie de l’enseignement. Une invitation est organisée par l’équipe enseignante auprès d’une ou plusieurs personnes ayant une activité professionnelle repérée dans le champ “élargi” du design graphique (graphisme, pratiques éditoriales, illustration, création numérique, typographie, etc.).
Contenu et objectifs du cours :
20 journées d’enseignement sont dédiées à cette invitation. Parce que l’invité exerce dans un pays étranger, il·elle s’exprime en anglais et donne ainsi l’occasion d’une relation de travail effective dans cette langue en cours de cursus, quelques mois avant le départ des étudiant·e·s pour leur mobilité internationale (échange Erasmus académique ou stages). La thématique de travail est renouvelée chaque année, fruit d’un dialogue entre l’enseignant responsable de l’invitation et la personne invitée, ce qui produit aussi un emploi du temps spécifique chaque année, en fonction d contraintes professionnelles de l’invitée. Similaire à un long workshop séparé en plusieurs séances tout au long du semestre, l’invitation annuelle est l’occasion d’une ouverture aux réalités professionnelles auxquelles le design graphique peut amener, ainsi qu’à la nécessaire dimension internationale de la création et de la recherche en design graphique.
Modalités et critères de l’évaluation :
Les travaux réalisés sont évalués par l’équipe enseignante lors des évaluations semestrielles du semestre 08.
ARC - Studio : réalisation
à venir
Expérimentations et productions en vue du projet de diplôme
En autonomie. Ce sujet est discuté en rendez-vous individuel et suivi de projet.
Majeure
Méthode d’enseignement :
Ce sujet est discuté avec les étudiants en rendez-vous individuel et suivi de projet.
Contenu et objectifs du cours :
Au premier semestre de la 4e année, l’importance de l’engagement dans une pratique spécifique est soulignée et encouragée par une ligne de crédit dédiée. Par « engagement » nous entendons en particulier : maitrise technique et connaissance des enjeux, d’une histoire et d’une actualité propre à une pratique (par ex. La programmation, la photographie, le dessin de caractère, l’édition web, la didactique visuelle, l’illustration, etc.) Sans jamais limiter leurs activités à cette seule « majeure », la désignation de celle-ci et sa prise en compte doit aider à la structuration d’un projet et au développement d’un travail personnel.
Certains étudiants sont déjà engagés de façon évidente dans telle ou telle type de pratiques.
Il s’agit avant tout de permettre le développement de la maitrise d’outils et d’une réflexion exigeante dans un cadre défini pour celles et ceux qui peinent encore à dégager des lignes de forces sur lesquelles s’appuyer et, finalement, les aider à construire un projet plus abouti, parce que tirant parti de cette affirmation et cet investissement à ce moment décisif du cursus.
UE3 Langue étrangère
Anglais
à venir
Grille d'évaluations Design Graphique 4 - Semestre 8 :
UE1 Initiation à la recherche – dont mémoire
Situer le projet de recherche
En autonomie, durant la mobilité. Préciser les enjeux, le contexte et la problématique du mémoire par l’apport de nouveaux éléments documentaires et la constitution d’une bibliographique. Formuler les intentions théoriques dans une note écrite.
Enquête et documentation autour du mémoire : entretiens et traductions
En autonomie, durant la mobilité. Recherches iconographiques liées aux questions soulevées dans le projet de mémoire.
Enquête et documentation autour du mémoire : iconographie
En autonomie, durant la mobilité. Les rencontres sont vivement encouragées pour inscrire le projet de mémoire dans l’actualité et la création graphique contemporaine. Elles peuvent aussi s’accompagner ou être complétées d’un travail de traduction.
UE2 Projet plastique – prospective, méthodologie, production
Expérimentations et productions en vue du projet de diplôme
En autonomie, durant la mobilité. Le projet de recherche, indépendamment de la forme écrite du mémoire, produit une somme d’expérimentations variées dans leurs formats, leurs enjeux et leurs qualités. C’est au travers de celles-ci que peuvent s’éprouve les questionnements de la recherche.
Documenter, contextualiser
En autonomie, durant la mobilité. Réunir les éléments aidant à penser le projet dans son histoire et son actualité. Curiosité et culture graphique.
Mobilité - productions réalisées
Valider les séjours d’études ou stages à l’étranger.
Mobilité - restitution
Présenter ses réalisations lors du séjour de mobilité internationale.
UE3 Langue étrangère
Mobilité
Organisation pour la mobilité — voyage, hébergement, correspondance école/stage.
ANNÉE 5 - option design, mention Design graphique et éditorial
Cette année 5 est principalement consacrée à la construction théorique et graphique du projet de l’étudiant annoncé, dès la fin de l’année 4 dans les premières réalisations et la version initiale du mémoire qui sera soutenu sous sa forme finale début avril, avant la présentation plastique du DNSEP en juin. Ce projet se nourrira des expériences (stage, séjour à l’étranger dans un autre établissement…) menées lors de l’année précédente et de l’acquis méthodologique forgé durant l’ensemble du cursus. La réalisation de ce projet devra s’articuler autour des enjeux du design graphique sans pour autant fournir nécessairement des réponses appliquées. Elles devront s’envisager comme des propositions qui interrogent notre environnement visuel et éditorial ; questionnent les codes ; expérimentent les conditions d’usages (lecture, orientation, identification…). L’expérimentation graphique dialoguera avec la rédaction du mémoire. Il sera la synthèse théorique et critique exigeante des questions développées dans le projet au cours de sa construction. Les relectures de mémoires, au nombre de 6, réparties entre la seconde partie de la quatrième année et la 5e s’opèrent collégialement avec un glissement de binômes de relecteurices au sein de l’équipe enseignante. Il fera preuve de la capacité de l’étudiant à nourrir sa culture graphique par des approches transversales et à affirmer un point de vue singulier. Ainsi, ce mémoire est considéré comme l’une des productions du projet de recherche. Son élaboration doit permettre à l’étudiant de conforter et élargir le réseau de relations entrepris depuis (au moins) l’année 4. Aussi est-il invité à établir des contacts et des échanges avec des personnalités extérieures dont les compétences seraient à même de nourrir le projet.
Liste des unités d'enseignements
Semestre 9 :
UE1 : Méthodologie de la recherche, dont suivi de mémoire – 20 ECTS
UE2 : Mise en forme du projet personnel – 10 ECTS
Semestre 10 :
UE1 : Épreuves du diplôme – 30 ECTS
Grille d'évaluations Design Graphique 5 - Semestre 9 :
UE1 Méthodologie de la recherche (dont suivi du mémoire)
Rédaction et présentation du mémoire
Échanges et rencontres
Séminaire initiation à la recherche
Images etc (N. Ferrer-Gleize)
Méthode d’enseignement :
Cours théoriques et historiques collectifs, ateliers pratiques et rendez-vous individuels.
Objectifs du cours :
Ce cours a pour objectif d’accompagner les étudiant·es sur la dimension visuelle et/ou iconographique de leur travail, notamment dans le cadre du mémoire. Il s’agit de s’intéresser non seulement à la place tangible prise par les images dans ce travail, mais aussi dans la façon dont méthodologiquement, le visuel participe à la construction de nos systèmes de pensée. Chacun·e sera amené à se constituer en observateur·ice, lecteur·ice, opérateur·ice critique d’images, d’objets, de formes à partir desquels iels doivent construire un point de vue singulier et affirmé.
Contenu : Partant du postulat qu’une image n’existe jamais seule, nous travaillerons sur les « ensembles » d’images et sur les formes diverses qu’ils peuvent prendre : collections, atlas, flux, constellations, collages, montages, murs ou livres d’images, etc. Nous nous questionnerons sur les pratiques d’artistes, de designeur·euses graphiques, d’historien·nes, de chercheur·euses de multiples disciplines pour aborder les différentes méthodologies employées pour archiver, inventorier, classifier et reproduire les images. Nous observerons ce que les images produisent entre elles lorsqu’elles sont plusieurs, et apprendrons à les regarder, à les analyser, à parler et à écrire à partir d’elles.
Modalités et critères d’évaluation Les critères d’évaluation seront l’assiduité, l’engagement dans le travail, la participation active au cours des séances, mais aussi le déploiement du travail personnel de chacun·e.
Références indicatives
BENJAMIN, Walter, L’œuvre d’art à l’ère de sa reproductibilité technique, traduit de l’allemand par Maurice de Gandillac, Paris, Allia, 2010.
BOIDY, Maxime, Les études visuelles, Vincennes, Presses universitaires de Vincennes, 2019.
CHABERT, Garance et MOLE, Aurélien, Les Artistes iconographes, Paris, Annemasse, Empire books, Villa du Parc, Centre d’art contemporain, 2018.
DIDI-HUBERMAN, Georges, Atlas ou le gai savoir inquiet, L’œil de l’histoire 3, Paris, Minuit, 2011. —, Tables de montage. Regarder, recueillir, raconter, Saint-Germain-la-Blanche-Herbe, Éditions de l’IMEC, 2023
GIANNECCHINI, Hélène, Voir de ses propres yeux, Paris, Seuil, 2021.
HAMON, Philippe, Imageries. Littérature et image au XIXe siècle, Paris, José Corti, 2001. REVERSEAU, Anne et al., Murs d’images d’écrivains. Dispositifs et gestes iconographiques (XIXe-XXIe siècle), Louvain, Presses universitaires de Louvain, 2022.
THÜLERMANN, Felix, More than One Picture: An Art History of the Hyperimage, translated by Elisabeth Tucker, Los Angeles, Getty Publications, 2019. WARBURG, Aby, L’Atlas Mnémosyne, Paris, L’écarquillé, 2012.
UE2 Mise en forme du projet personnel
Recherches (ARC/Studio) et production graphiques (personnelles)
Présentation des productions
Grille d'évaluations Design Graphique 5 - Semestre10 :
UE1 Épreuves du diplôme
Soutenance du mémoire
Soutenance plastique
Dates des examens
DESIGN - ANNÉE 1
Semestre 1 : 4 et 5 février 2026
Une sélection des travaux réalisés au premier semestre sera présentée au jury de professeurs composé des deux coordinateurs de l’année et de deux enseignants de l’année, un pour chaque option de l’établissement, pour une évaluation dont les modalités et critères sont précisés dans chaque fiche de cours.
Une appréciation individuelle définira globalement la situation de chacun, son évolution ainsi que ses manques.
Semestre 2 : 22 et 23 juin 2026
Chaque étudiant, de même, présentera au jury une sélection du travail du semestre 2.
Une appréciation individuelle sera également rédigée.
Les résultats de l’évaluation du semestre 2 déterminent soit la poursuite des études, soit un redoublement, soit une réorientation vers d’autres études.
Pour passer en année 2, il est exigé d’avoir obtenu les 60 crédits annuels de l’année 1 et d’avoir accepté le choix de la commission d’orientation proposant à l’étudiant l’entrée dans l’une des deux options de l’établissement. Cette commission sera composée pour moitié d’enseignants des deux options et des deux coordonateur·trices d’année. Un redoublement sera proposé aux étudiant·s ayant obtenu entre 48 et 59 crédits annuels.
Commission d’orientation : jeudi 25 juin 2026
DESIGN - ANNÉE 2
Semestre 3 : 29 et 30 janvier 2026
Semestre 4 : 8 et 9 juin 2026
DESIGN - ANNÉE 3
Semestre 5 : 14, 15 et 16 janvier 2026
Semestre 6 : Diplômabilité ; 12 et 13 mai 2026
Diplôme : 22, 23 et 24 juin 2026
Commission de mobilité : courant du mois de mards 2026
Commission d’admission au deuxième cycle : 21 et 22 avril 2026
DESIGN - ANNÉE 4
Semestre 7 : 21, 22 et 23 janvier 2026
Semestre 8 : 26, 27, 28 et 29 mai, par visioconférence
DESIGN - ANNÉE 5
Semestre 9 : diplômabilité les 27 et 28 janvier 2026
Semestre 10 :
Maquette (diplôme blanc) : 4 et 5 mai 2026
Soutenance du mémoire : 30 et 31 mars 2026
Présentation du projet plastique : 16 et 17 juin 2026